Spectacle de la  Cie Pony Production (75) vu le 16 juillet à 13 h 30 au Collège de la Salle dans le cadre d’Avignon OFF 2019. Du 5 au 28 juillet, sauf lundi.

Texte : Benjamin Wangermée

Co-écriture : Sigrid Carré-Lecoindre

Mise en scène : Elie Triffault et Benjamin Wangerméee

Comédien : Benjamin Wangermée

Genre : Théâtre

Public : tout public à partir de 12 ans

Durée : 1H10

Juin 2009… Dans sa chambre, Mickaël s’entraîne au moonwalk. Il est heureux car il a son billet pour assister à l’un des prochains concerts de Michael Jackson, son idole, en juillet à Londres. Sa chambre est tapissée de posters de la star, jusqu’à la housse de couette à l’effigie de l’idole, une sorte d’autel est dressé dans un coin avec des photos, des albums, des objets liés à Michael.

Lorsqu’il est seul et s’exerce à danser comme son idole, Mickaël s’habille comme lui, body doré sur pantalon noir, veste rouge de « Thriller », chapeau noir, chaussettes blanches et mocassins noirs. Un mur d’écrans de télé tapisse le fond de la chambre, pour reproduire son image à l’infini …
Mickaël reste enfermé dans sa chambre la plupart du temps : il respire, chante, danse Michael Jackson. L’un de ses rares liens avec le monde extérieur se fait avec une autre admiratrice du chanteur, sur un blog, dont on suit les échanges de mails sur un grand écran disposé à jardin.

La communication est difficile avec les autres membres de la famille, son père mais aussi ses frères et sœur. La mère est absente, hospitalisée car elle connait des problèmes psychiatriques.

25 juin 2009, Michael Jackson meurt dans les circonstances qu’on connaît. L’univers de Mickaël s’écroule, tous les écrans s’éteignent… Sa raison de vivre disparaît, il se replie encore plus sur lui-même, refuse de sortir de sa chambre, les relations avec son père se détériorent. Jusqu’au dénouement.

Seul en scène, Benjamin Wangermée incarne à la fois Mickaël et son père. Il passe avec aisance  d’un rôle à l’autre, alors que la communication est de plus en plus difficile et que le fossé se creuse entre un adolescent en recherche identitaire, qui vit mal l’absence de sa mère, et un père totalement démuni face au mal être de son fils, qui fait ce qu’il peut pour gérer seul ses propres problèmes et ses trois enfants.

L’interprétation bouleversante de Benjamin Wangermée sent aussi le vécu. De fait, il a lui-même, à l’adolescence, été fasciné jusqu’à l’idolâtrie par Michael Jackson. Il a réussi à s’en extraire. Dans la pièce, le contexte est encore aggravé par les difficultés que rencontre Mickaël, liées à l’absence de la mère, et la peur panique qui semble l’habiter d’être atteint des mêmes troubles qu’elle…

Benjamin Wangermée a souhaité mettre l’accent sur les dangers de l’idolâtrie, qu’elle se cristallise sur une star, ou se porte vers une secte ou une religion. Cela mène immanquablement  à l’identification, à la perte de repères, à la solitude et à l’isolement. Se chercher des modèles, dans le monde du paraître, de la perfection auquel les jeunes en particulier, sont confrontés,  peut sembler bénéfique, mais franchir le pas jusqu’à vouloir devenir son modèle, s’avère extrêmement dangereux.

Avec ce seul en scène, Benjamin Wangermée nous offre un voyage initiatique des temps modernes, poignant et plein d’amour, avec le souvenir en filigrane d’un personnage lui-même en perpétuelle recherche identitaire, jusqu’à sa mort à 50 ans…

Spectacle de la Cie Mélodrames (75) vu le 17 juillet à 14H50 au théâtre du Centre dans le cadre d’Avignon OFF 2019. Du 5 au 28 juillet sauf vendredi.

Mise en scène : Elisa Falconi

Comédiens : Alice Mesnil, Gustavo Araujo, Noé Pflieger, Elisa Falconi

Genre : Théâtre

Public : jeune public à partir de 6 ans

Durée : 1H

La représentation à laquelle j’ai assisté a malheureusement été perturbée par d’importants problèmes techniques avant et pendant la représentation et qui ont occasionné un retard de près de 30 minutes. On peut imaginer que les comédiens ont été relativement perturbés, mais ils ont assuré avec professionnalisme la représentation, avec un plan de feu qui manifestement n’était pas bon.

Marco, un garçon de 8 ans vit avec sa mère et sa grande sœur. Sa maman travaille pour subvenir à leurs besoins et n’est pas disponible. Son père est parti avec leur chien, Marco, qui ne peut vivre en appartement. Sa grande sœur doit parfois s’occuper de lui mais elle est plus intéressée par son petit copain. Marco se sent parfois un peu seul…

Depuis qu’il a joué dans une publicité pour un bouillon de volaille, Marco est chahuté par deux camarades de son école. Ryan et Léon l’appellent Marco Polo, voire Poule Mouillée, surtout lorsqu’il y a de la volaille à manger à la cantine. Marco ne sait pas se défendre et les deux garçons en profitent aussi pour le racketter. Un jour, ils lui volent le précieux sac banane dont il ne se sépare jamais, qui contient photos, souvenirs, et papiers sur lesquels il écrit ce qu’il ne sait pas ou ne peut pas dire. Ils jettent le sac par-dessus le mur de l’école. Malgré sa peur, Marco doit absolument aller le récupérer. Il saute le mur et tombe dans un monde fantastique, Esplendor, peuplé de personnages inquiétants, qui veulent le manger. Ils y renoncent après avoir découvert que le jeune garçon était le sauveur venu les délivrer d’un tyran qui voulait détruire leur monde. Cependant, il doit accomplir plusieurs missions avant de pouvoir affronter le monstre, et le vaincre au cours d’un « duel de rimes », à savoir un duel de Rap, où les mots ont plus de poids que les coups !

Même si le harcèlement et le racket servent de point de départ à cette histoire, les auteurs ont choisi de ne pas développer d’un point de vue pédagogique ces thématiques, mais d’axer le propos sur le personnage de Marco, et de sa capacité à s’en sortir tout seul. De fait, le périple dans le monde imaginaire d’Esplendor est bien sûr un voyage initiatique au cours duquel son imagination va l’aider à vaincre ses peurs. Il apprend à affronter les obstacles, à accepter les différences. Bref, il grandit et prend confiance dans ses capacités. Il sera alors capable de résister à ses agresseurs.

Une comédienne, dont le physique lui permet de jouer un jeune garçon (vraiment bluffante !) assume le seul rôle de Marco, cependant que les autres comédiens se partagent les autres rôles. La mise en scène fait appel à différentes techniques, jeu théâtral, marionnettes, déguisements (en poulet ou en coq,  toujours la volaille !!) et musique rap. Les accessoires nécessaires à l’action sont disposés sur les côtés de la scène, prêts à être utilisés. Les comédiens qui ne jouent pas sont assis en attente dans la pénombre. Deux espèces de cabines mobiles sont positionnées de part et d’autre à l’arrière de l’espace de jeu délimité au centre. Elles serviront de refuge à certains personnages rencontrés par Marco. Il est difficile d’en dire plus sur la mise en scène qui n’était à l’évidence pas conforme aux prévisions. Je dirais quand même que l’ensemble du décor m’a semblé un peu « cheap »…

Compte tenu du contexte, les comédiens s’en sont bien sortis et ont su mobiliser le public à la suite de Marco dans ce voyage plein de rebondissements ! Et ce bien que quelques enfants, peut être énervés par le retard, se soient montrés très agités. Mais pour bien faire, il faudrait que je revoie le spectacle dans des conditions normales…

Spectacle du théâtre Scrupule du Gravier (13) vu le 16 juillet à 15 h  au théâtre des Carmes dans le cadre d’Avignon OFF 2019. Du 5 au 24 juillet sauf jeudi.

Mise en scène : Pauline Fontaine, Julien Tanner, Maxime Touron

Interprètes : Forbon N'Zakimuena, Julien Tanner, Maxime Touron

Création musicale : Forbon N'Zakimuena

Création et régie lumière : Pablo Hassani, Enguerrand Michelin

Création et régie son : Robin Hermet, Anthony Morant.

Genre : théâtre musical

Public : tout public à partir de 12 ans

Durée : 1H15

Le Scrupule du Gravier a choisi de mettre en scène l’Epopée de Gilgamesh, demi-dieu, roi d’Uruk, l’une des plus anciennes œuvres littéraires de l’humanité, écrite sur des tablettes d’argile dont on a découvert une partie à Ninive en Mésopotamie au VIIème siècle avant JC.

Gilgamesh, sorte de géant qui ne craint rien ni personne, tyrannise son peuple. Les habitants d’Uruk ne cessent de se plaindre auprès des dieux qui créent alors, pour le vaincre, un être à sa mesure, Enkidu. Après un combat mémorable - qui semblait devoir se passer sur un ring, mais que la Compagnie a  transposé en une sorte de jeu « Papier/feuille/ciseaux » plutôt comique ! -  Enkidu et Gilgamesh contre toute attente, deviennent amis. Ensemble, ils réalisent de nombreux exploits. Ils triomphent du géant Humbaba, gardien de la forêt des Cédres, et du taureau céleste que leur envoie la déesse Ishtar pour se venger de Gilgamesh… Les dieux prennent ombrage des affronts qui leur sont infligés et provoquent la mort d’Enkidu. Terrassé, Gilgamesh se lance alors dans une quête pour l’immortalité, qui le conduira aux confins du monde et l’amènera à prendre conscience de sa fragilité.

La proposition du Scrupule du Gravier est une sorte d’OVNI théâtral, un spectacle-concert mêlant jeu, récit, danse, musique hip hop, rap, sans oublier une bonne dose d’humour, porté par trois formidables comédiens-chanteurs. Sur le plateau nu, seuls trois micros sur pied sont positionnés, et une table de mixage/beat box occupe le fond de scène, maniée la plupart du temps par Forbon N'Zakimuena. Ainsi, l’accompagnement sonore et la musique font partie intégrante du spectacle. De même que la lumière, particulièrement étudiée, est un élément incontournable. A tel point, par exemple, que la scène de la création d’Enkidu par les dieux, très réaliste, éclairée par une seule lumière rasante, donne réellement l’idée du gigantisme du personnage.

Entre échanges avec le public (avant le spectacle, certains spectateurs sont salués nominativement comme des personnalités de la ville d’Uruk, et pendant le spectacle, les comédiens digressent fréquemment pour s’adresser au public) puis récit et mise en scène du récit, enregistrements en beat box, rap et hip hop, interprétation interchangeable des personnages, les comédiens dynamisent (pour ne pas dire dynamitent !) leur sujet et réussissent leur pari de rendre vivant ce mythe venu du fond des temps. Cette épopée devient ainsi une aventure moderne, qui aborde des thématiques intemporelles tels l’amitié, l’amour, l’apprentissage de la vie  et la confrontation inéluctable avec la mort…

Cette proposition novatrice m’a impressionnée par la qualité de la mise en scène et du jeu, la variété des moyens d’expression mis en œuvre, l’interactivité bien pensée avec un public conquis. Ce spectacle me semble par ailleurs propre à réconcilier les adolescents avec les récits mythologiques réputés parfois soporifiques, et à leur prouver si besoin était que le théâtre peut aussi leur servir des périples qui n’ont rien à envier aux meilleurs road-movies…

Spectacle de la Compagnie « IN-SENSO » (75) vu le 13 juillet à 22H05 au Théâtre Golovine dans le cadre d’Avignon OFF 2019. Du 5 au 26 juillet (Relâche les 8 15 et 22).

Chorégraphe : Odile Gheysens assistée d’Astrid Grant 

Danseurs : Eva Yufra - Andrès Surra - Odile Gheysens et Sylvain Beauchamps

Genre : danse

Public : tout public

Durée : 55 mn

Ne pas passer par le Théâtre Golovine lors de mon festival, voilà qui est inenvisageable ...La danse fait partie de moi depuis mon plus jeune âge et j’ose espérer l’enseigner encore longtemps…

Pour ce spectacle, un titre et une affiche « One more, tango contemporain ». Mon œil affûté par tout ce qui touche à la danse est intrigué par le sous-titre car je n’ai jamais vu de chorégraphie de « tango contemporain », alors je décide d’y aller. Je suis rarement déçu au Golovine. Pour avoir travaillé il y a de nombreuses années avec Solange, Serge et Jean, je sais qu’un lieu ne s’appellerait pas ainsi si sa programmation n’était pas de qualité !

C’est en effet à un spectacle de qualité que j’ai assisté : quatre danseurs - 2 femmes, 2 hommes - tout de noirs vêtus au physique différent. Au regard du sous-titre, le spectateur s’attend à du tango via la musique ou la gestuelle. Si possible les 2 à la fois.

Ici, il n’en est rien. Odile Gheysens a imaginé tout autre chose, elle qui virevolte depuis plusieurs années autour du « Tangoperf » sous des formes souvent peu communes. La première image est belle et sensuelle : celle des 2 danseuses en bord de plateau sous une lumière orangée. Puis tout s’enchaîne avec grâce et harmonie et le spectateur averti perçoit rapidement ce qui a pu animer la chorégraphe : l’Humain avec un grand « H ».

Car le tango est-il autre chose : être en contact avec l’Autre, fusionner avec lui et faire corps. Mais ces corps réunis, qui sont-ils finalement ? Chacun reste pourtant bien dans sa propre identité… Alors qu’est-ce qui les réunit ?

A un moment, un des 2 danseurs boxe… Que vient faire la boxe dans un spectacle de tango, discipline qui vise surtout à se protéger le visage et le sternum. Alors que dans la danse tout doit être surdimensionné, jusqu’au plus petit muscle dissimulé. Et bien, c’est le corps. Tout simplement… Celui qui est unique pour chacun de nous mais qui vise à l’universel.

Les 4 danseur.s.e.s occupent l’espace avec élégance. On les sent complices et la chorégraphie est bien huilée. Pas de temps mort.

Les 4 corps des danseurs confectionnent les émotions avec brio sur les musiques de Bach, de Rami Khalifé ou encore de Piazzolla (le tango n’est pas loin quand même…).

Le spectateur passe un très joli moment dans le flux de cette pensée en images mis sur pied par Odile Gheysens et joliment ficelé par ses 3 partenaires.

Alors «  One more ?». Formule contradictoire et polie pour ne pas recommencer un nouveau tango lors d’un bal argentin.

Mais moi je dis « Oui, encore une fois, s’il vous plaît », histoire de contredire l’euphémisme de circonstance...Et merci pour ce « tango » nouveau !

Spectacle de la Cie de L'Inutile (31) vu le 18 juillet à 20h 45 au théâtre de l'Albatros (côté jardin) dans le cadre d’Avignon OFF 2019. Du 5 au 28 juillet (relâches les 9, 16 et 23 juillet).

Auteur : Emmanuel Darley

Mise en scène : Eric Vanelle

Comédiens : Delphine Saint-Raymond, Marc Compozieux 

Genre : Théâtre, LSF (Langue des Signes Française)

Public : Tout public (à partir de 14 ans)

Durée : 1H15

Chaque mardi, Marie-Pierre s'occupe d'André, son père. Et chaque mardi c'est la même chose : Marie-Pierre fait le ménage, la lessive, le repassage et les courses à Monoprix. « Jean-Pierre », désormais « Marie-Pierre » continuera-elle à alimenter cette relation qui lui coûte ?

Ce spectacle est signé (en *Langue des Signes Française) par une comédienne pleine d'expressivité. Je ne m'y connais pas en LSF* et c'est l'occasion de me laisser entraîner dans le monde visuel et significatif de cette langue pour le moins théâtrale.

Deux femmes sont sur le plateau. Elles sont habillées en jupe à cerises, talons vernis et chemisier rose. Je me fais la réflexion qu'un certain stéréotype de la « femme » existe ici. Cependant, cela ne me dérange pas car je conçois que la féminité puisse s'exprimer de cette manière.

La scénographie ? Une forêt de maigres lampadaires (presque des piques) aux têtes d'ampoules fines. Il s'agit plus de symboles que de mobilier. Cela laisse de l'espace à la narration et aux personnages.

Dans cette pièce, la transidentité s'exprime et se vit par procuration. Pourtant je ne dirais pas que c'est le sujet principal, étant donné que la langue des signes attire beaucoup notre attention. « Le Mardi à Monoprix » fait exister autant une histoire Trans que Signée.

La pièce est un peu longue mais l'histoire se tient. Le/a comédien/ne a la voix qui ne porte pas assez : une question d'articulation. Il ne manque pas grand chose pour mes 3 étoiles...

Vive le Spectacle accessible à tou.te.s et ouvert d'esprit ! Vive la Compagnie de l'Inutile !

Je vous le recommande sans contre-indication !