Un spectacle produit par le Théâtre Gérard Philipe (93) et vu le 22 novembre 2019 au TGP.

Texte : Shakespeare

Mise en scène : Jean Bellorini et Thierry Thieû Niang

Comédiens : Shaur Ali, Manuel Bouqueton, Maera Chouaki, Cassandra Da Cruz Ganda, Lana Djaura, Jonas Dô Hǔu, Esther Durand-Dessag, Loua El Shlimi Ali, Achille Genet, Jeanne Lahmar-Guinard, Lea Le Floch, Justine Leroux-Monpeurt, Jeanne Louis-Calixte, Ulrich Mimboe-Verdoni, Lisa Ndikita, Samir Quemon,Abou Saidou, Maïa, Seassau, Jules Tellasion, Nara Trochel, Louis Jean-Pierre Valdes Valencia.

Genre : Théâtre

Public : tout public

Durée : 1H

Jean Bellorini et les sonnets de Shakespeare, il ne m’en fallait pas plus pour me précipiter ! Si j’avais lu plus attentivement le programme, je n’y serais sans doute pas allée et j’aurais eu tord !

De quoi s’agit-il ? D’une restitution d’atelier théâtral que tout CDN, de par son cahier des charges, se doit de mener. En tant que parent, j’ai eu ma dose ! Je suis donc arrivée quelque peu contrariée ; je suis repartie enthousiaste !

« Les sonnets » ont été créés l’an passé avec un groupe de 20 jeunes gens, âgés de 8 à 20 ans, 11 filles et 9 garçons, manifestement venus d’horizons très divers. J’ai assisté à la générale de la seconde saison. Cette reprise traduit bien le caractère inédit de cette médiation culturelle. Son succès repose sur un parti pris de mise en scène très fort, servi par un décor splendide et qui fait sens.

Le spectacle s’ouvre sur la projection d’une archive de l’INA, projetée sur un mur en lignes brisées : un inventeur incompris commente, démonstration à l’appui, le caractère révolutionnaire de sa machine à apprendre à nager la brasse. En avant scène, une vraie piscine. A cour, une chaise de maître nageur et une grosse bouée rouge ; à jardin, une harpe. Le mur se lève sur un fond de scène joliment éclairé par des projecteurs à la lumière orangée qui se reflète dans l’eau bleue. Les enfants entrent en scène pour se jeter à l’eau. Théâtralement d’abord, littéralement parfois, mais surtout symboliquement. Sur les sonnets de Shakespeare, il s’agit pour eux d’apprendre à nager dans les eaux troubles de l’amour et du désir en plongeant dans la langue de l’auteur.

Le spectateur n’échappe pas aux tableaux de groupes chorégraphiés, exercice incontournable de ce type de prestation. Au passage, on note une très belle cohésion de groupe. Mais Jean Bellorini et Thieû Niang ont su mettre en valeur chaque individualité tout en créant du rythme. Certains chantent et fort bien, d’autres dansent, un autre dit le texte dans un anglais parfait, une autre accompagne les récitants à la harpe, un duo de garçons entreprend une sorte de battle, un jeune couple entame quelques portées. Les voix portent bien, la diction est juste et parfaitement audible, rendant inutiles la légère sonorisation de la salle et le sous-titrage. J’ai particulièrement apprécié les tableaux « de la seconde partie ». Après une longue et singulière approche de la piscine (et de l’amour), les jeunes forment des couples et dialoguent leurs sentiments. Les corps s’effleurent par le truchement de l’eau. La scène où le couple le plus âgé, formé dans la piscine, prend chacun sur ses épaules, deux plus petits qui à leur tour se content fleurette est d’une grande émotion. Ma seule réserve concerne la musique, à mon sens, laide et trop forte !

Il m’a fallu chausser les lunettes de la bienveillance. Mais je n’ai guère eu de mal tant Jean Bellorini et  Thierry Thieû Niang ont su guider ces jeunes vers l’exigence tout en leur offrant toutes les conditions d’un spectacle professionnel, traduction simultanée en langue des signes comprise. Une belle et rare générosité qui servira, je l’espère, de modèle aux autres CDN.

Spectacle vu à Paris le 14 novembre 2019 au Théâtre du Petit Saint-Martin

Texte : Léonore Cofino

Mise en scène : Côme de Bellescize

Interprétation : Elodie Navarre et Emmanuel Noblet

Genre : théâtre

Public : Adulte

Durée : 1H15

Alice a sa façon à elle de purger la violence du monde en s’appropriant les mots de ses parents : elle joue avec ses poupées Ken et Barbie en les transposant dans un univers lisse et surfait, où ce couple idyllique file le parfait amour, entre puérilité totale et train de vie luxueux.  A travers  la vision de l’enfant se forme un couple aussi désastreux qu’attachant, sous notre regard amusé.

Lorsque les « vrais » parents d’Alice entrent en scène à l’acte 2, ils sont bien différents et se déchirent, se reprochant mutuellement  leur vie de trentenaires  façonnés par notre société de consommation,  leur stress et le  « handicap » de leur fillette qui ne parle plus depuis… si longtemps… Lorsque leur fille les abandonne,  ces  purs produits de notre siècle vont alors tenter de renouer avec leur instinct et replonger en eux-mêmes afin de se retrouver,  de s’aimer à nouveau après s’être longtemps détachés, voire détestés.

C’est une pièce drôle mais écrite au scalpel, sur la vie de gens aimables et monstrueux,  comme ceux que nous côtoyons souvent et que nous sommes, parfois…

Une magistrale interprétation des deux comédiens Elodie Navarre et Emmanuel Noblet.

Relations presse : Laurence Falleur Communication

laurencefalleur@gmail.com

01.42.56.95.97

Un spectacle produit par le collectif (LA)HORDE et vu le 07 novembre 2019 au Pavillon Noir (Aix-en-Provence).

Conception et Mise en scène : (LA)HORDE - Marine Brutti, Jonathan Debrouwer, Arthur Harel

Interprétation : Magali Casters, Mathieu Douay aka Magii’x, László Holoda aka Leslee, Thomas Hongre aka ToPa, Kevin Martinelli aka MrCovin, Bartlomej Paruszewski aka Bartox, Viktor Pershko aka Belir, Edgar Scassa aka Edx, Andrii Shkapoid aka Shkap, Damian Kamil Szczegielniak aka Leito, Maxence Foor aka Skylerz

Genre : Danse

Public : Tout public, à partir de 9 ans

Durée : 1H

En ce début de mois de novembre, le Ballet Prejlocaj a accueilli au Pavillon Noir le collectif (LA)HORDE composé de Marine Brutti, Jonathan Debrouwer et Arthur Harel, très nouvellement directeurs du Ballet National de Marseille.

To Da Bone est une création qui réunit 11 autodidactes trouvés sur YouTube avec une passion dévorante commune : le Jumpstyle. Ce style unique de danse voit le jour sur internet, sur un fond de musique techno, le hardstyle. A travers cette danse intense et physique, les danseurs venus de différents pays extériorisent leurs émotions, leurs révoltes et sont amenés à dépasser leurs limites. Bien plus qu’une danse, ils vivent à travers le Jumpstyle.

Les tableaux s’enchaînent pendant une heure, au rythme frénétique de leurs pas (de danse). Un spectacle de danse aux allures théâtrales qui s’adresse, à partir de 9 ans, à un large public où les générations se mêlent.

C’est un spectacle esthétique et rythmé, aux ambiances sourdes de nightclubs, où les lumières se perdent parfois dans la fumée dense, où la musique techno alterne avec les cris et le silence, où le format des vidéos d’internet est projeté à l’échelle de la salle.

Autour du spectacle, il est possible de suivre ces artistes dans les coulisses et de les observer se mettre en scène encore une fois au travers d’un documentaire de création suivi d’une vidéo d’art, présentés gratuitement sur un autre temps.

Un résultat surprenant et professionnel de cette communauté inspirante à la poursuite de la réalisation de ses rêves. Un spectacle où la danse urbaine est représentée sur la scène contemporaine avec des enchainements de mouvements à la fois violents, précis, beaux et élégants. Un spectacle énergique et dynamique. Un spectacle puissant.

Un spectacle produit par la Compagnie Vertical Detour (93 Montreuil) vu le 04 novembre 2019 à la Villette  (Paris XIX°)

Texte : Frédéric Ferrer

Comédiens : Frédéric Ferrer

Genre : Conférence gesticulée

Public : tout public

Durée : officiellement 1H30 (mais 2H ce soir)

J’ai découvert Frédéric Ferrer un peu par hasard dans l’excellent « borderline(s) investigation # 1 » (chroniqué). C’est donc tout naturellement que je me suis démenée pour voir ce nouvel opus ; démenée car « Olympicorama » est programmé sur 4 dates uniques dispatchées dans l’année.

« Olympicorama » se propose, dans l’optique des JO de 2024, de présenter une discipline olympique par spectacle. Il y aura donc 4 conférences par saison et ce jusqu’au début de l’évènement sportif. J’ai assisté à la dernière conférence de la seconde saison et qui portait sur la reine des épreuves : le 100 m. Forte de ma précédente expérience, je pensais entendre une satire en règle. J’ai découvert un sport et reçu une superbe leçon d’humanité.

Dans sa forme et son propos, « Olympicorama » est à la fois proche du précédent spectacle et totalement inédit. Le plateau est nu et cette fois, le restera. Il est juste habillé, à cour, d’un pupitre avec ordinateur, d’un écran en fond de scène et d’un coin interviewe à jardin. Frédéric Ferrer, est seul en scène pour 45 minutes chrono. Sonorisé, il se poste derrière le pupitre et entame sa conférence gesticulée. Il est docte tel l’ancien prof de géo qu’il a été : le plan est annoncé (mais aussitôt démenti), les termes sont définis de sorte que nous ayons tous, en jargon prof, « un socle commun de connaissances » et la géo ne peut s’empêcher de s’immiscer là où on ne l’attendait pas….Il est d’une érudition époustouflante et le powerpoint, omniprésent sous forme de diapos ou de retransmissions d’épreuves sportives, finit par nous prouver qu’il ne nous mène pas en bateau : ainsi le tir au cerf courant est bien une discipline olympique disparue ! Car Frédéric Ferrer sait, plus qu’aucun autre, accorder la rigueur scientifique et le rire. Ainsi, chacun sait que la vitesse de pointe d’un être humain, tout Usain Bolt qu’il soit, est toute relative par rapport au règne animal. La salle s’attendait à la sempiternelle comparaison avec le guépard. Mais quand en guise de félin un charmant minou roux apparait à l’écran, assurément victorieux d’Usain Bolt (44,72 km/h) avec ses 50 km/h, c’est l’éclat de rire généralisé. Et tout est l’avenant. De digressions en digressions loufoques, on comprend que rien n’est gratuit et qu’il s’agit pour Frédéric Ferrer tantôt de faire découvrir cette discipline admirable, tantôt de faire surgir l’envers du décor. Ainsi, Frédéric Ferrer entreprend de déconstruire les stéréotypes et si les jamaïcains sont les rois de cette épreuve, c’est au même titre que les Français en ce qui concerne la pétanque : tout est question de culture ! Frédéric Ferrer dénonce aussi à travers la figure emblématique d’Avery Brundage, à la tête du sport américain en 1936 puis président du CIO, l’assujettissement du sport au politique et aux considérations morales contestables. C’est à lui que l’on doit les certificats de féminité toujours en vigueur aujourd’hui. Le terrain est prêt pour la seconde partie !

La seconde partie est une conférence-débat avec des invités, experts de la discipline. Ce soir Frédéric Ferrer a convié Christine Aaron, championne du monde de relai et détentrice depuis 1998 du record d’Europe du 100m et Pierre-Jean Vazel, dernier entraîneur de Christine Aaron et inlassable détracteur des certificats de féminité et autres aberrations liées au genre. Nous ne sommes plus dans le spectacle mais dans un moment d’échanges authentique et de grande qualité.

Avec « Olympicorama », Frédéric Ferrer entreprend un véritable marathon théâtral. Le projet est inouï, le propos est d’une grande intelligence, la forme est drôle. Il va sans dire qu’à l’instar de plus de la moitié de la salle ce soir, je reviendrais, d’ici 2024, m’ouvrir à cet univers qui m’est pourtant totalement étranger, le sport.

Un spectacle produit par le Festival d’Avignon et la compagnie Longtemps je me suis couché de bonne heure (67) et vu le 19 octobre 2019 au Pavillon de La Villette.

Texte : Homère

Mise en scène : Blandine Savetier

Comédiens : Elan Ben Ali, Paul Fougère, Neil-Adam Mohammedi, Julie Pilod en alternance avec Claire Toubin, Mélody Pini, Souleymane Sylla.

Musique : Yko Oshima

Genre : Théâtre

Public : Tout public

Durée : 5x2H et 1x3H

Toujours en quête de spectacle atypique, je me suis laissé tenter par « l’Odyssée » d’Homère mis en scène par Blandine Savetier et remarqué cet été à Avignon.

« L’Odyssée » est un projet audacieux dans la mesure où il ambitionne de faire entendre l’essentiel de l’épopée. Il est donc présenté sous forme de feuilleton théâtral en 13 épisodes. Il faut 6 séances pour voir l’intégrale. J’ai pour ma part assisté aux épisodes 7, 8 et 9 à savoir, pour les grandes figures, à Circé, Tirésias et l’île du Soleil.

« L’Odyssée » mis en scène par Blandine Savetier est une lecture théâtralisée. Ils sont sept comédiens, 3 femmes et 4 hommes, et une percussionniste. Je ne devrais pas avoir à le mentionner mais c’est suffisamment rare pour le faire : quel plaisir de voir un peu de diversité sur scène ! Ils sont disposés tel un chœur antique, assis en fond de scène tandis que l’excellente percussionniste, Yoko Oshima, officie à cour. En avant scène, quatre pupitres. Les comédiens s’en emparent tour à tour au gré de leurs interventions. Ils sont sonorisés. Tous portent un imperméable pour signifier, je suppose, le voyage sans fin.

Il n’y a pas un Ulysse mais des Ulysse. 5 comédiens sur sept l’interprètent. Ces changements de voix participent à la dynamique du spectacle puisque chacun donne une couleur particulière au personnage. Ainsi, en ouverture, Ulysse slame-t-il. Les voix sont belles. La diction est parfaite. Il y a bien eu quelques accrocs mais, à la décharge des comédiens, ils avaient déjà donné une matinée. Quand les comédiens ne racontent pas l’épisode principal, ils écoutent ou ils chantent. L’une des comédiennes portent ainsi le chœur sur des mélopées africaines : c’est superbe. A un autre moment, Ulysse après avoir échappé aux sirènes, descend de l’estrade, harangue un public devenu son équipage et du haut de l’escalier du théâtre soudain métamorphosé en mât, il hurle d’une fabuleuse voix le danger imminent de Charybde et Scylla.

Pour mieux écouter la langue, j’ai fermé les yeux. Mal m’en a prise, je me suis endormie à peu prêt au moment où Tirésias somme Ulysse d’un « Il n’est pas l’heure de dormir dans la salle ». La salle a ri et moi aussi. Le spectacle n’est nullement en cause dans cet incident manifestement courant. C’est juste que le spectacle exige une grande écoute et une grande disponibilité. Après une dure semaine de labeur, je ne l’avais manifestement pas !

« L’Odyssée » est un spectacle qui revient à la source du théâtre. Les comédiens sont comme autant d’aèdes qui par le biais de quelques stratagèmes de jeu et de musique nous replongent dans ce récit immémorial.