spectacle de la Compagnie Akté, vu le 5 décembre 2013 à Sortie Ouest, Béziers.

D’après : Rodrigo Garcia

Mise en scène : Arnaud Troalic

Avec : Julien Flament et Arnaud Troalic

Conseil scénographique : Raphaëlle Latini et Pascale Mandonnet

Collaboration artistique : Anne-Sophie Pauchet et Patrick Amar
Dramaturgie : Florence Gamblin
Création vidéo : Vincent Bosc.

Catégorie : Théâtre
Durée : 1h15
Public : à partir de 15 ans 

A jardin, enfermé dans sa voiture, agité, tendu, un amoureux de Borges ; tellement amoureux qu'il a assisté jadis à une conférence du maître, au cours de laquelle l'écrivain l'a déçu ; depuis, il ressasse sa rancune, faisant tourner en boucle son passé intellectuel, le confrontant à son présent guère reluisant.
A cour, avachi sur son canapé, hystérique, nerveux, un amoureux de Goya ; il aimerait bien dépenser la petite somme qu'il a amassée à mener ses enfants au Prado voir les toiles du génie ; mais ceux-ci préfèrent Disneyworld ; et il ressasse ses envies de grandeur artistique, faisant tourner en boucle dans sa tête son présent de prolétaire inculte.

Le lien entre les deux : Rodrigo Garcia, l'auteur le plus punk du moment, qui nous donne une nouvelle fois avec ces deux textes courts un aperçu de son univers entre Mickey et Schopenhauer. Il est question en vrac, dans ce spectacle éprouvant et provocateur, de Culture, de culture, de philosophie, de sodomie, de chanson populaire, de canapé en cuir, de capitalisme, de Mickey Mouse, de slip kangourou et de dépression. Il va surtout être question de deux hommes d'aujourd'hui, rêvant d'intelligence mais se heurtant aux contingences de la société marchande et consommatrice, et noyant leur chagrin dans des cris, des danses frénétiques et des injures à la face du public.

J'aime ce théâtre engagé, frontal, cachant sous les potacheries de mise en scène la profonde tristesse de qui est né au mauvais endroit, au bas de l'échelle sociale.
La langue de Garcia, expressive et directe, est superbement mise en scène par Arnaud Troalic, qui la fait écouter aussi bien en espagnol qu'en français, et qui surtout a compris qu'elle se lance en direction du public comme une arme dévastatrice, comme un instrument pour déclencher le malaise autant que la réflexion.
Le public est tour à tour hilare, choqué, géné, dubitatif, charmé, ennuyé, bousculé par ces mots qui préfèrent questionner plutôt que de donner des leçons.
C'est ça, Garcia : toutes les émotions du monde y passent, les bonnes comme les mauvaises. Arnaud Troalic l'a compris, qui utilise la kitscherie autant que la grande culture dans son esthétique et tout autant les influences de Godard que celles du punk.
Si le spectacle est parfois en dents de scie, c'est parce qu'il accepte les moments de creux, qu'il accepte d'être parfois déplaisant ou facile. Si le public entre dans ce jeu, s'il accepte de ne pas tout comprendre, s'il aime le théâtre qui ne se laisse pas attraper aussi facilement, il passera un moment unique et parfait à regarder "Borges vs Goya".

A retrouver très vite au Théâtre des 13 vents, donc, le sulfureux metteur en scène hispano-argentin ayant tout récemment succédé à Jean-Marie Besset pour diriger le Théâtre des 13 vents, Centre Dramatique de Montpellier.

Danielle Krupa - Allez Zou !

Spectacle des compagnies "La Bulle Bleue" (34) et "La Remise" (34), le 29 Janvier 2014, 20h,  théâtre d'O (Montpellier-34).

Adaptation libre de "La Ménagerie de verre", de Tennessee Williams (1944).

Mise en scène : Marion Coutarel

Dramaturgie : Laurent Berger

Créé avec et interprété par : Mélaine Blot (le prétendant), Laura Deleaz (Violetta), Mireille Dejean (la mère), Arnaud Gélis (narrateur et Tom), Sarah Lemaire (Nina), Philippe Poll (le père).

Genre : théâtre

Public : à partir de 15 ans

Durée : 1h

Sortie de création 

"La Bulle bleue", est un ESAT (Etablissement et Service d'Aide par le Travail) qui permet à des personnes en situation de handicap de se professionnaliser dans les métiers du théâtre. Les spectacles sont actuellement produits sous la direction artistique de Marion Coutarel et en partenariat avec le théâtre de la Remise.

Ce huis-clos de Tennessee Williams met en scène dans le sud des Etats-Unis une femme et ses deux enfants, jeunes adultes. Tous trois vivent dans une ambiance pesante et orageuse traversée par leurs rêves et leurs désirs. Tom le fils, chargé de faire vivre le trio, étouffe. La fille Laura, timide et déclarée fragile, s'absorbe dans sa collection d'animaux en verre, dont le plus précieux est une licorne. La mère, rêvant d'un passé idéalisé et obnubilée par le désir de marier sa fille, la jette un jour étourdiment dans les bras d'un ami de Tom. Piégée par les rêves d'une mère abusive, Laura sort humiliée de ce malentendu et Tom s'en va.

Marion Coutarel s'inspire librement de la pièce de Tennessee Williams, conservant la trame de l'intrigue et l'ambiance étouffante de ce huis-clos axé prioritairement sur la relation entre la mère et la fille (nommée ici Nina). L'adaptation a été réalisée avec la participation des comédiens et en intégrant leurs improvisations. Deux personnages supplémentaires, le père et Violetta une amie de Nina élargissent l'action de manière intéressante.

Le théâtre d'O, 220 places, fait salle pleine pour cette première. Un monologue très émouvant d'Arnaud Gélis ouvre la pièce. Il parle simplement de l'intrusion de la maladie dans une vie et de la place prise par le théâtre. Sans doute nous invite-t-il à partager "la particularité" de la Bulle bleue ? Or cette particularité s'efface derrière le professionnalisme de la compagnie. Avec beaucoup de finesse, les comédiens jouent en équilibre sur des frontières : entre rôles et improvisations, entre dit et non-dit, entre réalité et symbolique. Nina est étouffée par sa mère, mais surprend en déclarant brutalement "je suis une actrice", son amie Violetta nous présente un reflet de l'imaginaire de Nina, le prétendant avance et recule, Tom est déchiré entre sa famille et ses rêves, et le père s'infiltre entre présence et absence. La mère elle-même, stable dans son hypercontrôle anxieux, se perd dans ses illusions. Le spectacle à la fois fascine, émeut et interroge. Ainsi par exemple une conversation entre les deux amies près d'un arbre qui ploie comme Nina, une bagarre familiale drôle mais inquiétante, un flirt basé sur un malentendu cruel, un accouchement réaliste produisant un ballon de baudruche, etc. 

La scénographie très étudiée offre un grand intérêt, car chaque personnage évolue dans un espace scénique correspondant à sa place dans la vie et l'imaginaire du groupe. Ainsi la mère occupe une place centrale à la table familiale, sous un grand ventilateur qui tourne sans cesse au plafond et rythme l'ambiance étouffante qu'elle-même provoque. Cette organisation de l'espace symbolise habilement les relations entre les personnages, leur enfermement et quelques échappées. Des parois semi-translucides et des éclairages subtils dégagent une atmosphère trouble de rêve et de vulnérabilité.

L'interprétation, la mise en scène, la dramaturgie et la technique font de cette pièce un spectacle de qualité et d'une grande richesse émotionnelle. Les applaudissements ont été enthousiastes. Les sourires éblouis des comédiens entourés ensuite par la foule des spectateurs m'ont beaucoup émue. A voir la réussite de la première représentation, "La Jeune Femme à la licorne" est promise à un bel avenir.

Catherine Polge

Spectacle de la Compagnie Théâtrale Francophone (34), vu le 19 Janvier 2014, 15h, au théâtre Pierre Tabard, Montpellier (34).

Texte et mise en scène : Damiane Goudet

Assistant : Arevik Martirossian

Interprète : Luc Antoni (Don Juan)

Genre : théâtre

Public : tous à partir de 15 ans

Durée : 1h10

Création 2009

Chez Molière, Don Juan est un jeune noble sicilien séducteur, cynique et blasphémateur, qui a fait sortir la jeune Elvire du couvent pour l'épouser et très vite la négliger. Constamment à la recherche de nouvelles proies dans une quête permanente de défis, il séduit les femmes pour aussitôt les délaisser et sème le malheur et la haine. A l'occasion d'une de ses perpétuelles provocations, il tue un commandeur dont la statue de pierre le provoque jusqu’aux enfers. Mourant, il laisse passer une dernière chance de se repentir avant d'être dévoré par les flammes. Ainsi se termine ce classique.

Prenant la suite de Molière au moment où Don Juan vient de mourir, Damiane Goudet lui accorde un peu de temps entre la mort et l'Au-delà pour s'adresser à toutes celles et tous ceux qu'il a détruits ou offensés. Seul face à Dieu, peut-il encore se repentir ? Alors que l'issue de l'intrigue est connue, j'ai ressenti tout au long de la pièce une tension analogue à du suspense, tant les émotions y sont contrastées. Cynique Don Juan est glaçant, arrogant il choque, malheureux il fait pitié, vaniteux il est comique (et la salle rit). Ne justifiant pas ses crimes, il proteste au contraire de sa sincérité, et se met ainsi à nu au moment d'entrer dans la légende. Dramatiquement seul au seuil de l'enfer, il lance ses derniers défis et assume sa vie passée. 

Tout au long de ce monologue intense, je n'ai pas vu le temps passer. Ce beau texte, où chaque mot est pesé, est très bien servi par la mise en scène, et par une scénographie qui cible l'essentiel. La pièce progresse dans un « entre-deux » fait de dévoilements et de masques, de mensonges et de vérités, de théâtre et de réalité, de vie et de mort... et Damiane Goudet nous conduit au seuil du mythe. Quelques touches d'humour amènent par moments une distance amusante. Luc Antoni donne une arrogance aristocratique à son personnage, sur le ton de la revendication comme de la confidence. Haute silhouette vêtue d'un somptueux costume inspiré du théâtre Nô, il transmet le poids des mots autant par la diction que par le corps, avec de brusques volte-face, une gestuelle parfois comme suspendue ou vive et fendant l'air. Sur le maquillage blanc du visage, les yeux, les sourcils noirs et la bouche rouge sont vifs dans les expressions. Au fil de son monologue, progressivement, le comédien quitte son costume et se démaquille. En pantalon et chemise noirs à la fin de la pièce, il cache à nos regards l'éventail et le masque du commandeur : le jeu est terminé pour l'acteur qui a repris sa personnalité. Il s'efface, Don Juan entre dans la légende et "une légende ne peut pas mourir". A noter que la qualité des éclairages et des choix musicaux complète la réussite du spectacle.

"La Mort de Don juan"  captive et offre matière à discussion sur le théâtre, les masques, les mythes et les passages d'un monde à l'autre. Bien que le texte de Damiane Goudet explicite l'intrigue, il me semble intéressant de prendre connaissance de la pièce de Molière pour apprécier pleinement ce très bon spectacle.

Autres spectacles de la Compagnie Théâtrale Francophone déjà commentés sur ce blog :

Titam Cmoi, Lune et l'accordéon, Pelagia, Antigone

Concert de l'Hippocampus Jass Gang (34) entendu au JAM, à Montpellier, le 21 novembre 2013 en "soirée Découverte". 

Distribution :

Emily Cole (chant, guitare, piano, washboard), Gabriel Larès (guitare, trompette, clarinette, washboard, cavaquinho), Pierre Bayse (clarinette, guitare, trombone), Joseph Vu Van (banjo, guitare, piano, arrangements) , Gildas Legarrec (contrebasse, guitare), Alexis Chauvelier (guitare, contrebasse, flûtes), Heykel Bouden (violon, mandoline, guitare)

Tout public

Durée : 1 h 30

En ce qui me concerne, ce n’était pas une découverte puisque j’avais déjà apprécié les talents du groupe à l’espace VIAVINO à St Christol (34), lors d'une soirée en plein air dans le courant de l’été 2013. J’avais noté leur passage au JAM en novembre pour présenter leur troisième album « Jelly doll circus » regroupant des  morceaux issus de l’opéra swing sur lequel ils travaillent. Je m’étais promis de ne pas rater cette soirée… et franchement, je n’ai pas été déçue ! J’ai retrouvé toute la fougue de ces jeunes gens et leur plaisir manifeste (et communicatif !) d’être ensemble sur scène.

Evidemment, la charmante Emily Cole, petite blonde dynamique, est désormais un membre incontournable de cette formation née en 2008, qu’elle a rejoint en 2011 alors qu’elle arrivait tout droit de Chicago. Sa voix si particulière colle (c’était facile.. !) parfaitement au répertoire ragtime, swing, teinté de jazz new orleans dans lequel le groupe a choisi d’évoluer, et permet de marquer la mémoire. A tel point qu’il me semble difficile d'oublier Hippocampus Jass Gang, même en l'ayant entendu ne serait-ce qu'une fois ! Les musiciens qui entourent Emily n’en sont pas moins méritants. Tous excellents et multi-instrumentistes, ils passent aisément d’un instrument à l’autre.

Outre les réadaptions opérées par Joseph Vu Van de standards ou morceaux originaux, le groupe produit ses propres arrangements. Hippocampus nous livre ainsi une musique festive et entraînante, héritière des « string bands », agrémentée d’instruments autres que des cordes, et qui donne envie de swinguer. La prestation, au final, n’a pas manqué de séduire les nombreux habitués du JAM, dont je fais partie, et ceux venus en curieux pour cette soirée découverte. Tous sont partie le sourire aux lèvres !

Jeune équipe à ne pas perdre de vue donc… De plus en plus sollicités pour se produire dans les salles régionales, on peut parier que leur notoriété va bien vite s’étendre au-delà.

Spectacle du collectif Le BAO (34), vu le 13 Déc. 2013, 19h, au théâtre La Vista, Montpellier.

D’après le roman en 2 parties de Miguel de Cervantes (1605 et 1615)

Adaptation et mise en scène : Matthieu Penchinat

Interprètes : Olivier Capelier (Sancho Pansa), Julia Malançon (Dulcinea et d’autres personnages), Christophe Pujol (Don Quichotte) et Benoit Ramos (Conteur)

Costumes : Marcelle Guerrero

Genre : théâtre clownesque

Durée : 1h20

Public : tous à partir de 8 ans

Création 2013  (2è représentation)

Le BAO, collectif d'artistes créé en 2006, se fédère autour de projets très diversifiés allant de l’improvisation à la création de texte, pour tous ou pour jeunes publics. Ici, il entreprend une relecture d’un des plus grands textes de la littérature. Pour cette nouvelle pièce, une cinquantaine de spectateurs étaient présents à La Vista.

L'intrigue est connue :  Alonso Quijano, gentilhomme espagnol, devient obsédé par la lecture des romans de chevalerie qu'il finit par prendre pour la réalité. Il décide un jour de se faire chevalier errant, sous le nom de Don Quichotte, selle son vieux cheval Rossinante et se fait escorter d’un écuyer, Sancho Pansa, paysan naïf attiré par ses promesses. Ayant juré fidélité à Dulcinée du Toboso, paysanne jamais rencontrée, Don Quichotte part à la recherche d’aventures chevaleresques en redresseur de torts. Tantôt halluciné, tantôt en plein rêve, et négligeant les avis réalistes de Sancho, Don Quichotte se ridiculise, provoque des catastrophes, risque sa vie au cours de combats bien connus comme celui contre les moulins à vent. Dans la seconde partie du roman, la mort est souvent évoquée et les proches de Don Quichotte le mystifient pour le ramener à la raison et l'obliger à rester chez lui. Reconnaissant sa "folie", il meurt paisiblement dans son lit. Les nombreuses adaptations de ce roman se limitent souvent à la première partie, la plus riche en péripéties à potentiel comique.

Matthieu Penchinat adapte avec succès le roman dans sa totalité, surmontant la difficulté d'articuler deux parties de tonalités si différentes. Malgré quelques longueurs un peu gênantes (qui seront certainement revues au cours des futures représentations) il y a du rythme. Les scènes sélectionnées dans cette adaptation s'articulent à merveille grâce au rôle du conteur. Il s'adresse au public, mais est aussi interpellé, contredit ou malmené par les comédiens qui vont jusqu'à le chasser, pour imposer leur jeu de clown jusqu'aux limites de l'absurde. Au-delà du ressort comique, cet effet de mise en scène fait avancer l'intrigue tout en impliquant le public.

Le duo Quichotte-Pansa, contrasté et complice, est en perpétuelle tension ; que ce soit dans les conversations, les gestuelles, les mimiques ou dans le plus fort de l'action. Ainsi, l’épisode des moulins se réduit-il à la répétition des bonds et des chutes de Christophe Pujol, accompagnés par les lents mouvements de tête d'Olivier Capelier. On nous montre peu, mais tout est dit avec une concision burlesque hilarante.

Dans le jeu de Christophe Pujol, j'ai perçu la gravité du personnage incompris évoluant dans un entre-deux, poursuivant pathétiquement son rêve et se cognant dangereusement au réel. De son côté, Sancho, par ses craintes, offrait un miroir à mes appréhensions. Quant à Julia Malançon, elle illustre à travers plusieurs personnages inénarrables une vie paysanne où l’esprit chevaleresque n’a pas du tout cours, et c’est extrêmement drôle ! Ont aussi contribué à la réusssite de cette quasi-première, des costumes créatifs, une scénographie légère et une originalité dans la distribution des rôles (interchangeables !).

Avec une adaptation dynamique et ambitieuse, une mise en scène inventive et l'association originale de trois clowns et d'un conteur, cette toute jeune pièce me semble très prometteuse. D'un grand comique, ce Don Quichotte assez original fait découvrir les aspects attachants du héros et de son écuyer. Mais, entre les rêves et les cruels rappels à l’ordre de la réalité, n’est-ce pas un peu de notre vie dont il s’agit, tiraillés que nous sommes par le désir de vivre nos folies ?