Un spectacle de la Compagnie du Burlesque Klub (75 Paris) vu le 8 juillet à 21H55  au Rouge Gorge dans le cadre du Festival Off d'Avignon 2019, du 5 au 28 juillet

Mise en scène : Valentina del Pearls

Comédiens : Rosabelle Selavy, Séléné du Styx, Soa de Muse, Sucre d'Orge, Valentina del Pearls, Wanda de Lullabies

Stage-Kitten : Farah Paupiette

Durée : 1h15

Genre : Spectacle musical
Public : À partir de 13 ans

Si vous ne comprenez pas le terme "effeuillage" et ses sous-entendus, vous allez probablement être surpris ; c'est ce qui nous est arrivé. Nous sommes donc allées voir ce spectacle en toute innocence mais avec une grande curiosité. Nous avons eu la surprise de découvrir un spectacle de strip-tease (nous avions contacté le théâtre pour nous informer de la teneur de la pièce mais nous n'avons reçu que des réponses évasives).

Ainsi a commencé notre aventure avec le Cabaret Burlesque. Le fil conducteur du show était l'histoire d'une fusée et des créatures étranges qu'elle rencontre au fil de ses péripéties dans un univers inspiré des récits de Jules Verne ; nous avons donc pu faire la rencontre de sirènes, de monstres aquatiques et autres déesses intergalactiques intervenant graduellement dans l'atypique. Plus l'adrénaline et l’originalité augmentaient, plus le public manifestait son enthousiasme. Parfois, les numéros pouvaient même se rapprocher de numéro de danse intense (notamment celui du seul artiste masculin de la pièce qui nous a assez impressionnées).

Vêtus de costumes extravagants et pleins de paillettes, les artistes étaient sublimés par des jeux de lumière synchrones à la musique. Les fumées nous laissaient percevoir une ambiance mystérieuse. Cette atmosphère nous a plongées dans des émotions variées, de la peur à la surprise en passant par le ravissement. 

Néanmoins nous avons constaté trop de similitudes entre certaines chorégraphies. Par ailleurs, certains mouvements au sol sont peu visibles depuis les rangs du public. Enfin, contrairement aux recommandations de l’équipe, il est évident pour nous que l'âge minimum requis pour voir ce spectacle est celui de la majorité sexuelle. 

Pour conclure, ce spectacle fut pour nous divertissant mais le format nous a surpris. Avis aux curieux !

Spectacle de la Compagnie A Vrai dire (60) vu le 5 juillet 2019 à 16H30 au Théâtre Présence Pasteur (Avignon) pour le Off d’Avignon, du 5 au 28 juillet. Relâches les 9,16 et 23.

Texte : Vincent Ecrepont.

Mise en scène : Vincent Ecrepont.

Comédiens: Céline Bellanger-Véronic Joly et Sylvain Savard

Genre : Théâtre adulte

Public : Tout public à partir de 16 ans.

Durée : 1H 20

Ce titre m’a interpellée parmi la multitude des affiches qui égaient les murs d’Avignon en ce moment. Une affiche en noir et blanc qui aurait pu passer inaperçue parmi les fresques multicolores : 2 mots « Etre là » et le regard d’un vieil homme qui me fixait et qui m’invitait à y aller.

Alors, j’ai « été là » ! J’y ai découvert « la » famille, ses tourments, ses questionnements, ses doutes et ses « reculades »perpétuelles. Parce qu’on ne sait pas y dire les choses essentielles dans la famille. J’ai assisté à du théâtre dans ce qu’il a de tellement vivant surtout quand il parle de la mort et de la disparition des aînés, du vieillissement ou de la perte de la mémoire.

Tout ceci, Vincent Ecrepont le place bien au devant de la scène du haut de sa grande sensibilité et questionne le spectateur dans ce qu’il y a chez lui de plus intime voire d’indicible. Il tire les ficelles tout en finesse et élégance. La force des mots est là. Elle accompagne avec brio le jeu des 3 comédiens, 2 femmes et un homme. Ils incarnent tour à tour des situations familiales distinctes et parfois « jouent »  aussi à jouer des rôles différents. Un peu finalement comme nous le faisons toujours dans la vraie vie ! Resterons-nous toujours les enfants de nos parents ? La question reste posée.

Mais en aucun cas la pièce n’engendre de pathos ; parfois même un sourire s’esquisse dans le public lorsque les acteurs abordent la perte de la mémoire. Un léger trouble s’installe mais il est vite dissipé par la dynamique sans faille des comédiens qui virevoltent sur le plateau, construisent et déconstruisent le décor à vue.

La mise en scène est juste : millimétrée et éclairée sobrement comme pour mieux illuminer la réflexion du spectateur qui, quand il quitte la représentation, s’interroge forcément sur son rapport personnel à ses proches. Être plus humain avec eux, peut-être… ! Et pour chacun d’entre nous qui sommes parents, nous nous demandons si nous faisons « bien ». Si le fait d’être là suffit…Ou s’il faudrait faire autrement, différemment. Avec nos frères, nos sœurs aussi, bref avec notre famille .

En tout cas « Être là » est présent à 16H30 à Présence Pasteur. Soyez-y.

Présent sur le Off d'Avignon 2019

Un spectacle produit par la Compagnie les Filles de Simone (93 Bagnolet) vu le 2 février 2019 au Théâtre du Rond-Point  (Paris VIII°)

Mise en scène : collective

Comédiens : Thiphaine Gentillau, Cécile Guérin, Claire Méchin, Chloé Olivères, Géraldine Roguez

Genre : théâtre

Public : adulte

Durée : 1H30.

Il y a quatre ans, je découvrais avec ravissement la compagnie « les filles de Simone » et leur mémorable « c’est (un peu) compliqué d’être à l’origine du monde ». C’est donc avec enthousiasme que je suis allée, avec ma cadette, découvrir leur nouvel opus « les secrets d’un gainage efficace » : nous n’avons pas été déçues !

« Les secrets d’un gainage efficace » s’inscrit dans la continuité du précédent spectacle: un féminisme militant transmis par le prisme d’un humour décapant. Les spectateurs sont invités à suivre les réunions du groupe « corps » qui se donne pour objectif la rédaction d’un livre sur le corps des femmes et la sexualité féminine vus par les principales intéressées ; le dernier opus du genre, « notre corps, nous-mêmes » datant de 1977. En fait de livre, ce sera donc le spectacle ; les différents tableaux opérant comme autant de chapitres. Tout y passe, sans tabou ni vulgarité : les complexes comme construction patriarcale ou commerciale, le mythe de la rupture de l’hymen, le vagin, le clitoris, les poils, les règles, le cunnilingus, la femme dans l’espace public mais aussi le viol et la transmission (difficile) mère/fille.

Pour aborder ces sujets qui restent délicats (un comble, précisément !), le spectacle déborde de prouesses. Pour commencer, la scénographie est réduite à sa plus simple expression : une table de réunion, un tableau noir et un panneau d’affichage qui fait office, à l’occasion, de paravent pour se changer. Pour compenser cette économie de moyens, c’est parfois toute la salle qui sert d’espace de jeu, les spectateurs étant alors les membres de l’association qui assistent tantôt à une AG, tantôt à une conférence. La lumière, chaude et franche, unit l’ensemble. Pour ouvrir encore l’espace, les comédiennes font appel à l’imaginaire. Nous sommes ainsi conviées à la désopilante mais fort instructive visite muséale du vagin.

Pour que le message passe, il faut un texte à la hauteur. Outre les bons mots intrinsèques de la pièce – à la nouvelle venue dans l’asso, les copines lancent au sujet de la structure un rassurant « bon, ce ne sera pas la confrérie des mamelles »- le texte est extrêmement sourcé. Ainsi, sous le couvert d’une interviewe, nous prenons connaissance des travaux d’Anne Cholet sur la place (confisquée) de la femme dans l’espace public. Ce décryptage de nos us et coutumes se poursuit par la déconstruction systématique de la pensée patriarcale. Les conciliabules entre Freud, un père d’Eglise et Sartre, à hurler de rire, n’en sont pas moins référencés.

Pour emporter l’adhésion, il y a enfin le jeu époustouflant des 5 comédiennes dans une mise en scène toute en ruptures de rythmes et en décalages. Thiphaine Gentilleau et Chloé Olivères étaient déjà de la partie dans la précédente pièce ainsi que Claire Frétel, alors metteur en scène. On les retrouve ici accompagnées des non moins excellentes Cécile Guérin et Géraldine Roguez. Elles ont l’énergie débordante et l’audace de leurs propos. Ainsi, lorsque la cellulite est démasquée comme procédé patriarcal de contrôle, elles entonnent en cœur la danse de la cellulite : qui tortille son sein, qui trémousse des fesses, qui fait frétiller son ventre ! Il faut aussi oser porter des postiches de poils d’aisselle bien noirs pendant l’interviewe d’Anne Cholet. L’attention du public se volatilise vers l’horrible attribut ! Elles n’hésitent pas non plus à chanter, un peu comme sous la douche, des tubs détournés. « Il jouait du piano debout » devient un hymne au clitoris, droit, long de 11 centimètres et qui n’a rien à envier au pénis. Cette parole heureusement décomplexée sait aussi se faire grave ; les discussions sur la sexualité féminine pouvant faire ressurgir des traumatismes. Ces moments de confidences sont d’une rare intensité émotionnelle. Dans ce registre, le récit d’un épisode boulimique, qu’une fille dédie à sa mère, est poignant.

« Les secrets d’un gainage efficace » est un spectacle d’une grande intelligence. Sous le couvert du rire, il dit la persistance d’une société patriarcale dont les diktats atteignent le coeur même de l'intimité des femmes. C’est un spectacle qui devrait être vu par tous les lycéens : ma cadette me confirme en effet que les bouquins de SVT persistent à représenter l’appareil génital masculin in extenso alors que celui des femmes est réduit à sa plus simple expression, une béance sans même un clito. En attendant, la salle, plutôt âgée mais mixte, était en délire, à commencer par notre voisine de rang, Anne Hidalgo en personne!

Catherine Wolff

Un spectacle produit par le Théâtre de la Colline (75 Paris) et vu le 13 mai 2019 au Théâtre de la Colline (Paris XIX°)

Mise en scène : Wajdi Mouawad

Texte : Wajdi Mouawad

Comédiens : Ralph Amassou, Lubna Azabal, Jade Fortineau, Hugues Frenette, Julie Julien, Reina Kakydate, Jérôme Kirchner, Norah Krief, Maxime Le Gac-Olanié, Gilles Renaud, Yuriy Zavalnyouk.

Genre : théâtre

Public : adulte

Durée : 4H .

Ce joli mois de mai est le mois de la nouvelle proposition théâtrale de Wajdi Mouawad. Inconditionnelle depuis toujours, je suis donc allée découvrir « Fauves ». La scénographie, époustouflante comme de coutume, n’est pas parvenue à combler les faiblesses du récit.

Le spectacle s’ouvre sur une dispute conjugale qui se termine en homicide. On découvre bientôt que c’est une scène du film d’Hippolyte, le héros de la pièce. Perdu dans un montage qu’il ne parvient pas à achever, il ne sait pas encore que son film est la métaphore du drame familial et transgénérationnel  qu’il porte en lui. Car comme dans « Incendie », c’est le décès de la mère et le passage obligé chez le notaire qui vont ouvrir la boîte de Pandore des origines. Mais cette fois, le scénario part trop loin et le tragique, à force de rebondissements à outrance, frise le ridicule.

Le spectacle se découpe en deux parties. La première, de 2H35, riche d’une inventivité scénographique inouïe, est celle de l’intensité dramatique. La seconde, celle du surgissement de la vérité, est donnée à voir de façon si frontale et si statique qu’elle révèle toutes les faiblesses de la construction narrative. Je me suis fermement ennuyée, au point de vouloir partir. Certains dans la salle ont franchi le pas.

Le jeu est à l’image de la pièce, inégal. Ils sont 11 comédiens et 5 techniciens plateau  à porter ce spectacle-fleuve. Il faut saluer l’endurance de chacun et en particulier celle de Jérôme Kirchner dans le rôle titre. Lubna Azabal compose une incroyable figure de vieille femme. J’ai particulièrement apprécié la prestation de Reina Kadukate et de Gilles Renaud. Ils forment le couple du film d’Hippolyte et jouent les arrêts sur image et le rembobinage de la pellicule. Ils participent de ce que le spectacle a de meilleur, la scénographie.

Je ne parlerais donc que de la première partie. La scénographie se compose de 9 panneaux à roulettes. Certains sont de simples cloisons de bois, d’autres sont munis de portes, d’autres enfin sont ajourés comme des baies-vitrées. Concrètement, les techniciens les déplacent pour composer différents espaces –la scène du crime, un bar, l’office notarial etc… D’un point de vue dramaturgique, ils donnent à voir, selon leur configuration, différents points de vue. C’est le principe cinématographique du champs/contre-champs et c’est ainsi qu’il nous est donné à voir, plusieurs fois, le crime originel. Plus le drame avance, plus l’agencement des panneaux dessinent une sorte de labyrinthe de la psyché d’Hippolyte. Les flashbacks récurrents, tellement drôles au début dans leur comique de répétition, finissent par révéler le grand désordre intérieur qui s’empare d’Hippolyte à mesure que les révélations s’enchaînent.

La première partie de « Fauves » est magistrale. L’intensité est telle qu’elle délie les langues à l’entracte. J’ai rencontré plusieurs spectateurs qui avaient besoin de partager leur expérience, leurs doutes et leurs interrogations. La seconde partie est malheureusement  retombée comme un soufflé.

Spectacle de la compagnie Mas-Productions (Paris) vu au Théâtre de la Contrescarpe (Paris 5^ème) le 16 mars dans le cadre du dispositif «L. A. D » (un livre - une adaptation - un débat).

Texte : d’après le roman autobiographique de Ruth Klüger, «Refus de  témoigner».

Mise en scène et adaptation : Jacky Katu

Comédien : Sandra Duca

Genre : adulte

Durée : 1H

J’avais déjà vu cette pièce, l’an dernier, au Festival d’Avignon, au Théâtre des Amants, dans des conditions toutes particulières dues à la Finale de la Coupe du monde de football. Le théâtre était tout proche d’une des places les plus populaires de la ville close où les écrans de télévision crépitaient bruyamment. Pourtant rien n’avait entaché ma représentation ni mon écoute. J’avais été en immersion totale 1 H durant, submergée par l’émotion. Mais le retour à la réalité «sportive», envahissante,  avait été bien âpre !  C’est pourquoi, j’ai éprouvé le besoin de revoir ce spectacle.

Nous sommes en 39-45. Une petite fille juive de 10 ans, viennoise, est déportée à Auschwitz avec sa mère. Elles parviennent pourtant à s’enfuir six ans plus tard, grâce au caractère indocile et effronté de la fillette et à sa maturité hors du commun.

Le spectateur éprouve avec force les émotions de cette enfant grâce au jeu intense de la comédienne, Sandra Duca, à ses contorsions et à sa tenue de bagnard. Le tout n’est pas sans nous rappeler les peintures de Munch ou les visages squelettiques d’Egon Schiele ou encore la danse bûto. Les moments de silence lors de ces contorsions où la fillette ploie sous la douleur pèsent sur les spectateurs. Sur certains en tout cas. Cela se sent ! Ils dérangent en effet ces instants de silence ; ils interpellent. La douleur dérange toujours !

Le regard que cette romancière peu connue en France porte sur la Shoah revêt un caractère peu commun car il se démarque de tous les témoignages vus et entendus depuis longtemps. Le metteur en scène Jacky Katu y a été, de toute évidence, sensible. C’est le côté brut du récit qui l’a marqué, nous a-t-il dit, lors du débat qui a suivi la représentation. Car il est là, Jacky. Tous les samedis de la programmation. Et on l’attend impatiemment sur le plateau, à la fin de la représentation, aux côtés de Sandra, sa comédienne.

Ne ratez pas cette remarquable pièce qui, pour notre plus grand bonheur, se voit prolongée de trois représentations supplémentaires.

Bravo les artistes.

Bravo….