Spectacle de la Compagnie Théâtre H (91), vu au Festival d’Avignon, à 10h15, Espace Roseau, jusqu’au 26 juillet

De Jean Claude Grumberg

Interprètes : Valentine Leyser, Guillaume Pannetier

Mise en scène : Clarisse Brunelet

Genre : Théâtre

Public : Tout public à partir de 8 ans

Durée : 55 min

Création 2015

C’est le loup qui raconte, ou plus précisément le Caporal Wolf… Alors qu’il était affecté à la surveillance des parcs, jardins et forêts, il croise le chemin d’une fillette de village insouciante et gaie, vêtue de rouge, qui traverse le bois pour se rendre chez sa grand-mère et lui porter à manger. Très vite il lui demande ses papiers sur lesquels est portée la mention U… Il lui apprend qu’elle est donc UF, et que les UFS n’ont pas le droit de porter du rouge, mais obligation de porter du jaune. Qu’ils n’ont pas le droit de manger ce qu’ils veulent mais seulement ce qui leur est autorisé, pas le droit de travailler, pas le droit d’aller où ils veulent, bref, à peine le droit d’exister, et encore… Il lui assène au passage quelques lieux communs répandus sur les nombreuses tares attribuées aux UFS.

Pour les adultes, au moins au-dessus de la cinquantaine, la tentative d’extermination des juifs par les nazis au cours de la guerre de 39/45 n’est pas une « histoire » inconnue. Mais pour les jeunes de moins de 25 ans, cela semble bien loin, voire « étranger », pour certains même sans fondement. Ainsi pour aider à véhiculer le message, la compagnie Théâtre H a-t-elle choisi de confier les rôles du Chaperon et du caporal Wolf à deux très jeunes comédiens de 18 et 19 ans.

Guillaume Pannetier, très largement servi par son physique, grand, mince, blond, les mâchoires carrées, incarne parfaitement le type « aryen ». Il est à l’aise dans son rôle, s’approprie un accent allemand qui sied pour débiter des phrases hachées (dans le style télégraphique faisant abstraction d’articles et mots inutiles du rôle écrit par Grumberg), ponctuées de « Rapapapapa... Tututtut... Ttssstt... » bien plus inquiétants et évocateurs des penchants du loup que « pas si vite, attention, etc. ». Valentine Leyser paraît moins à l’aise, mais sa jeunesse est aussi le reflet de la fraîcheur et de la naïveté du personnage. Toutefois, le spectacle est encore très récent, c’est son premier rôle, et il faut lui laisser le temps de prendre de l’assurance au fil des représentations.

La mise en scène soignée de Clarisse Brunelet s’appuie sur un décor fait de planches dressées figurant les arbres de la forêt, qui tombent les uns après les autres, jusqu’à ne laisser debout que la porte de la grand-mère devenue clandestine dans ce texte, et celle du marchand de tabac qui l’aide à se cacher. Les éclairages en biais donnent l’effet de la lumière diffuse à travers branches dans les sous-bois, aux heures sombres du soir. Ce côté sombre est accentué par le choix de costumes de teintes foncées avec seulement quelques tâches colorées, le manteau rouge et le châle jaune du chaperon, et le brassard rouge portant un masque de loup stylisé du caporal Wolf… Seuls quelques intermèdes musicaux teintés de musique klezmer apportent douceur ou nostalgie. Heureusement la scène finale voit la rébellion de la fillette, qui veut cesser ce « jeu » et revenir à la vraie histoire du Petit Chaperon Rouge…

La transposition de l’histoire originale à cette période de l’Histoire nécessite pour le jeune public un accompagnement et/ou une préparation en amont. Ce spectacle paraît ainsi tout indiqué pour un public scolaire.

A noter que le spectacle est annoncé pour une durée de 1h10, alors qu’il ne dure pas tout à fait 1h, ce qui est suffisant en termes de concentration pour le jeune public.

Cathy de Toledo

Spectacle de la Compagnie MaGma (75), vu le 16 juillet 2015 à 21h, au Tri Postal (sortie de création), dans le cadre des Ateliers d'écriture de Chroniques Culturelles, Multiples et Populaires

D’après des textes de O‘Henry

Interprète : le facteur Boyaire

Genre : Seul en scène

Public : Tout public à partir de 10 ans

Durée : 45 min

Jawad :

Dans la cour de ce lieu emblématique de la vie associative avignonnaise, boissons rafraîchissantes à disposition autour d'une table basse en OSB et de fauteuils en palettes recyclées (tout à fait confortables), peu de public au rendez-vous pour cette toute première représentation.

L’acteur nous conte deux courtes nouvelles de 20 minutes environ tirées des écrits de O’Henry. Dans un far west en mutation, des histoires de charlatans, de bonimenteurs, pleines de facéties et se jouant du retournement de situation comme de la morale subjective.

Le texte très littéraire, le seul en scène, l’absence de mise en scène autre que le jeu de l’acteur me réclament une attention soutenue pour profiter pleinement du récit. Pour autant l’effet comique se révèle par le texte, bien maîtrisé par l’acteur.

Les prochaines représentations auront lieu au Code Bar, les 17, 18 et 19 juillet à 16h, un café intramuros, ce qui je pense devrait apporter un certain côté "brèves de saloon" se prêtant bien au format.

Eric :

Un spectacle en rodage, présenté au Tri Postal d’Avignon en plein air, devant une poignée de personnes, dont plusieurs usagers de l’accueil d’urgence, confortablement installés sur le nouveau salon-cuisine réalisé lors du dernier Tri Possible de juillet.

Le personnage, habillé en cow boy urbain, nous raconte les histoires du tout début du XXe siècle aux Etats-Unis, à l’époque du "tout est possible". Il nous raconte sa vie aux multiples métiers, notamment celle d’un vendeur de médecine miracle, un escroc poète patenté, empêché de pratiquer sa médecine puisque le docteur de la ville est le cousin du shérif. L’entre soi déjà présent ! Son dense récit nous entraîne dans ces contrées lointaines de l’Ouest américain, et telle une fable nous offre un retournement de situation que je ne vous conterai pas. Pour sa seconde histoire, notre personnage, toujours tenté par l’embrouille facile, nous entraîne sur les traces de l'arroseur arrosé.

Cette idée de mêler l’esprit de La Fontaine aux personnes rudes de l’Amérique profonde fonctionne bien, et cette phase de rodage me semble intéressante pour asseoir davantage le personnage dans son rôle de roublard sympathique. Une première sortie réussie dans ce lieu expérimental qu’est le Tri Postal.

Spectacle de la Compagnie Yann Lheureux (34), vu au Théâtre de l’Oulle, à 10 h 15, le 16 juillet 2015, à voir du 6 au 26 juillet (relâche le 22 juillet) dans le cadre du Off 2015

Conception et chorégraphie : Yann Lheureux

Interprètes : Vincent Warin et Cristina Hall

Genre : Danse

Public : Tout public

Durées : 27 min et 30 min

Deux petites formes successives, des spectacles passerelles, permettant d’ouvrir des portes vers des formes d’arts vivants multiples.

Le premier est tiré d’un triptyque sur les pratiques urbaines, suivi d’un autre autour du Flamenco, tiré également d’un triptyque.

Flat/grand délit :

Sur le plateau, un corps désarticulé sur un BMX, ces vélos acrobatiques tout terrain permettant toutes les extravagances.

L’image est belle et je sens, dans ce corps en mouvement sur un objet lui-même en mouvement, la vie, les questionnements, la rage…

J’y ai vu le tourment adolescent, l’incertitude du cheminement. Hésitant parfois, accélérant soudain sur ce petit engin nerveux, Vincent Warin, champion de France et vice-champion du monde de la discipline, s’émancipe de la technique pour nous offrir un vrai poème urbain.

La musique, lancinante au début, contribue à cette idée de malaise latent d’une jeunesse qui se cherche. L’apport sonore, un micro suspendu d’un côté du plateau – la touche personnelle du chorégraphe Yann Lheureux qui aime associer le son au mouvement –, m’a laissé interrogatif. Quelques mots scandés au micro nous font imaginer l’intemporalité de ce statut d’adolescent qui perdure dans le temps : "j’ai 31 ans… j’ai 16 ans… j’ai 7 ans…"

J’ai apprécié particulièrement ces images fortes, créées autour de la machine et de l’homme, permettant d’accrocher un public pas forcément ouvert à la danse. C’est ce que j’appelle un spectacle passerelle.

Eric Jalabert

Cristina :

Une femme, danseuse de Flamenco, vient nous faire partager cette énergie sauvage et contenue, que j’ai forcément associée à la première partie, alors qu’elle en est indépendante.

Cette multitude d’images, que je n’associais pas toujours entre elles, m’a laissé un peu décontenancé. Cristina Hall pond des petits œufs avec sa bouche, crache des pop-corns tout autour d’elle, sort une soufflerie phallique pour disperser le tout sur le plateau.

Il s’agit en fait de retracer le parcours de la danseuse américaine vivant à Séville, que j’ai découvert après coup dans le dossier de présentation.

Même si le sens m’échappe un peu, il me restera de belles images de cette performance, comme cette robe cocon que la danseuse remonte pour se couvrir sa tête. Un spectacle original, mais dans lequel je n’ai pas pu forcément rentrer tant les séquences sont multiples.

L’idée d’associer ces deux extraits reste pour autant une idée intéressante, sur cette image homme/femme aux questionnements et aux visions différentes.

A vous de vous faire une idée jusqu’au 26 juillet.

Eric Jalabert

Spectacle de la Compagnie Art'Scènic (78), vu le 9 juillet 2015 dans le cadre des Ateliers de Chroniques Culturelles.

Présent sur le Off 2015, du 4 au 26 juillet à 15h15 à l’Atelier Florentin

Direction artistique : DUSSauze

Interprétation : Séverine Moralès

Genre : Seule en scène

Public : Tout public

Durée : 1 h

Cette chronique a été réalisée par Jean-Philippe Marco, pendant les Ateliers de chroniques culturelles, réalisés du 8 au 10 juillet avec Flavia Perez et Vivantmag dans le cadre des expériences du Tri Postal

15h15 précises, Séverine Moralès apparaît seule en scène, et je me dis en la voyant qu’elle n’a pas forcément un physique pour faire rire : elle jeune, jolie, et blonde. Sentiment vite effacé, je vais m’apercevoir qu’elle détient un pouvoir comique bien réel lorsqu’elle nous présente, à travers une palette de mimes très réussie, les divers personnages d’un groupe de parole. Des individus hauts en couleur ; des phobiques, une nymphomane, un autre sous l’emprise du syndrome de Gilles De La Tourette ou encore un patient possédé par ses tocs. Bienvenue dans l’univers déjanté de Séverine Moralès…

Le personnage central est une jeune femme qui a la phobie des portes et qui subit la quasi-totalité des effets secondaires de son antidépresseur. Les saynètes s’enchaînent avec fluidité, malgré un début de spectacle légèrement poussif. Mais très vite, la comédienne va faire preuve d’une énergie débordante et d’un talent d’humoriste incontestable, qui font rire les spectateurs aux éclats. Passant d’un personnage à l’autre avec aisance, notre artiste se déchaîne pour notre plus grand plaisir. Ame sensible s’abstenir, Séverine Moralès n’a pas froid aux yeux, provocant quelques rires gênés. Sans jamais atteindre la vulgarité, elle nous emmène vers des sujets pas toujours faciles à aborder. Le rythme est soutenu, les vannes réussies, même si quelques-unes d’entre elles sont parfois un peu attendues. Les mimes sont une franche rigolade, dont une scène quelque peu improbable : l’imitation d’un cunnilingus !

Etonnant et décapant, ce spectacle m’a incontestablement séduit. J’ai ri de bon cœur à cet humour bien « torché ». Séverine Moralès ose et c’est une réussite. En contact permanent avec le public, qu’elle n’hésite pas à mettre à contribution, la jeune femme s’emporte et nous emmène avec elle dans sa folie. Elle prend plaisir à nous faire rire et après un tonnerre d’applaudissements, elle revient sur scène nous offrir une dernière imitation. La salle est définitivement conquise.

Présent sur le Off 2015, Spectacle de la compagnie Françoise Cadol (92), vu au Buffon Théâtre, Avignon, le 12/07/2015

Auteur : Valérie Péronnet

Mise en scène : Christophe Luthringer

Interprétation : Françoise Cadol

Genre : Théâtre

Public : Tout public à partir de 14 ans

Durée : 1h05

"Jeanne et Marguerite" est un spectacle intimiste qui nous présente deux tranches de vie de femmes. Un siècle les sépare mais l’expérience de l’attente trompée par les mots les réunit. Françoise Cadol qui les incarne tour à tour laisse entendre une troublante émotion.

Le dispositif scénique, des plus simples, nous invite à l’écoute. Avant l’extinction des lumières, on voit en arrière-plan une femme fouiller dans une bibliothèque et constituer sur son bureau un dossier. On saura donc d’entrée de jeu qu’il est question, dans ce spectacle, de mots. Les lumières s’éteignent, la comédienne s’assoit à une petite table parisienne en avant-scène, le récit peut commencer.

Françoise Cadol va alterner les deux rôles, celui de Jeanne et celui de Marguerite. Sous une lumière chaude, elle est Marguerite ou Guita, toute jeune adolescente et qui rencontre son grand amour, Eugène, à la plage, un été 1907. C’est l’éveil du désir dans une société très normée où il faudra 6 ans aux jeunes tourtereaux avant de pouvoir convoler en noces. Entre temps et alors qu’Eugène est étudiant à Zurich, ils s’écrivent, d’abord des cartes postales puis enfin des lettres cachetées. Fançoise Cadol interprète, radieuse, lumineuse et enfantine cet amour naissant.

Sous une lumière froide d’ordinateur, nous entendons l’histoire de Jeanne, notre contemporaine. Sur un site de rencontres, elle entre en relation avec un homme dont on ne sera que le surnom ; celui qu’elle lui donnera par dépit, James, comme James Bond. Jeanne correspond la nuit avant d’entrer dans la nuit même d’une histoire destructrice. De lumineuse quand elle joue Marguerite, Françoise Cadol, sans autre transition que le changement de lumière, devient ténébreuse et amoureuse aussi passionnée qu’éplorée. Elle écrit pour interpeller l’amant mais surtout pour survivre à ses disparitions.

Ces deux récits amoureux que la vie et l’Histoire vont étrangement réunir sont accompagnés de trouvailles de mise en scène des plus heureuses. La voix off de James, aussi sensuelle de désir qu’odieuse de déni ; le petit écran de cinéma qui se déploie sous la table de la récitante et qui montre un film muet que Marguerite et Eugène seraient allés voir à Zurich ; une marinière qui sert de "doudou" à Jeanne quand James est manifestement reparti et qui, pliée avec art, suggère les jumelles de Marguerite et Eugène.

Le spectacle "Jeanne et Marguerite" est un bijou de subtilité. La comédienne est tellement convaincante dans les deux rôles que j’ai fini par croire qu’elle jouait une histoire personnelle. Françoise Cadol nous apprend après les ovations que c’est l’histoire de l’auteur. Elle est une comédienne si époustouflante de justesse qu’elle s’en approprie les moindres respirations.

Catherine Wolff