Spectacle de la compagnie du Mouton à 5 Pattes, vu au festival Font'arts 2012 à Pernes les Fontaines (84).

Circassien(ne)s : Thibaud de Premorel, Johann Candoré, Magali Bilbao

Musicien(ne)s : Kamel Dembri, Jeremie Wagner, Claire Guillet, Lucienne magnan

Mise en piste : Sabine Chalaguier

Création et Régie lumière : Zélie Abadie

Régie son : Maxime Leneyle

Scénographie et Régie plateau : Philippe Lewlord

Régie générale : Ada Broers

Durée : 60 min

Genre : cirque musical Tout public

  Ce spectacle mêle musique, acrobatie, jonglerie, tricycle et monocycle, corde lisse…

En rentrant sous le chapiteau qui fait office de sauna (dehors, il fait au moins 40°C !), on se demande si l'on va rester jusqu'au bout. Et, pendant que tout le monde cherche un moyen de se rafraichir, un étrange "clown" observe la foule haut perché... Puis ses compagnons de scène entrent, chacun avec sa personnalité propre. Leurs costumes et la musique nous plongent tout de suite dans une ambiance joyeuse et lugubre à la fois. Ils font appel à nos souvenirs d'enfants, nos peurs et nos émerveillements. On se laisse plonger dans une ambiance oscillant entre "Freaks" de Tod Browning et "Big Fish" de Tim Burton, et on n'en sort pas avant la fin tant la folie délicieuse de ce monde nous envoûte. On ne voit plus les acteurs mais bien de curieux personnages qui semblent être nés sous ce chapiteau. Leurs prouesses techniques sont dissimulées derrière poésie et humour. Ici, on communique en "latino-charabia", on jongle avec des bébés, on mange des oiseaux et on n'hésite pas, pour son public, à se mettre en danger en utilisant un trampoline défectueux…

La magie opère jusqu'au bout et le retour à la réalité se fera en douceur car l'on se sent bien chez eux : ils nous ont captivés.

Spectacle de la compagnie Vertigo à partir de la pièce d'Eric-Emmanuel Schmitt, vu au théâtre de l'Adresse lors du festival Off d'Avignon 2012.

Interprète : Didier Lagana
Metteur en scène : Fred Tournaire
Création Lumière : Hervé Lavit

C'est l'histoire de Momo, petit garçon juif de douze ans qui rencontre Ibrahim l'épicier qui n'est pas arabe. L'enfant lui-même n'est peut-être pas juif...

Il s'agit d'une comédie philosophico-dramatique sur la tolérance, la famille, la filiation et la paternité. Ce texte sensible, souvent joué au théatre, est magistralement interprété en toute légèreté et intelligence par un Didier Lagana talentueux et discret. Le décor est épuré : un fauteuil, une pile haute de vieux bouquins, quelques marches d'escalier, de grandes boites de conserves vides. La mise en scène, sobre, accompagne admirablement le comédien dans son interprétation pleine d'humilité et de réserve. Il incarne si bien son personnage que le pubic est embarqué dans l'aventure avec Momo, dans son voyage initiatique dur et sensible. Merci à Didier Lagana pour ce Momo là !

Si vous aimez ce beau roman, vous devriez apprécier cette interprétation. Les émotions émaillant le roman d'Eric-Emmanuel Schmitt restent intactes, justesse de ton et finesse du jeu nous ont conquis. Si vous méconnaissez ce texte, profitez-en amener les jeunes (dès 10 ans) au théatre et leur faire découvrir l'histoire de Momo.  

Burlesque Associés (91)

Théâtre – tout public – durée : 1h15 mn

Vu au Théâtre du Cabestan  à 12h dans le cadre du festival Off d’Avignon 2012

De et avec : Guillaume Collignon et Jean Hervé Appéré.

Moustic et Mastoc, tel un clin d’œil appuyé à Laurel et Hardy et plus généralement au cinéma muet, forment un couple très réglé et nous offrent ainsi un duo particulièrement efficace.

Ils incarnent avec une belle générosité ces deux personnages burlesques enfermés dans une prison yankee au moment de la grande crise de 29 et dont ils s’échappent afin de réaliser leur grand rêve : faire du cinéma.

Intercalés de passages musicaux, avec de superbes cuivres, ils veulent concevoir leur film de vampires avec l’aide du public.

Les deux comédiens sont plutôt bons et s’amusent bien avec leurs personnages qu’ils ont créé déjà depuis plusieurs années..

Pourtant, parfois ça crie un peu fort, et leur énergie déborde souvent du plateau.

C’est propre, même si c’est fait de bric et de broc, c’est rythmé mais il y a quelques longueurs, notamment dans les passages musicaux, nous faisant ainsi perdre le fil –ténu- de leur histoire.

Malgré le travail de qualité qui est proposé, malgré l’univers visuel qui est proposé et qui frappe l’œil, malgré l’engagement des comédiens, je n’ai pas pu « rentrer » dans leurs personnages et dans leur histoire qui restait un peu trop inaccessible pour moi.

Un manque de sensibilité de leur part ou de la mienne ce jour là…

Spectacle de la compagnie Hilaretto (62), vu au Palace lors du festival Off d'Avignon 2012.

Interprètes : Kordian Heretynski, Pierre-Damien Fitzner
Mise en scène : Bernard Debreyne

Durée : 1h15 

Tout public à partir de 7 ans

Le titre, déjà, interpelle… mais, lorsqu’on entre en salle on est surpris de trouver sur scène, outre le violon annoncé, un piano et une guitare. Arrivent les deux musiciens, Kordian (le violoniste) et Jean-Claude (le pianiste) qui s’installent et commencent à jouer. Tout cela a l’air sérieux, bien que la tenue du violoniste…. outre sa coiffure « en pétard », il est habillé tout de noir, sauf la cravate et les boots style "Doc Martens" jaunes.

Rapidement les choses vont déraper. Le très sérieux pianiste va se retrouver, sans que l’on sache vraiment pourquoi et comment, en slip rouge, bas résille et porte jarretelles. Le violoniste arbore successivement des déguisements plus extravagants les uns que les autres (en cotte de maille, en chimiste déjanté, en bonne sœur…) suivant les registres musicaux abordés. De la musique classique aux reprises revisitées, de façon plus ou moins incongrue, de succès du répertoire français (Julien Clerc, Richard Claydermann, Serge Gainsbourg, Nicoletta, etc.) ou américain (Ben E.King, Michael Jackson), les tableaux se succèdent, tous genres confondus. Evidemment, le sketch le  plus improbable est celui où Kordian (en soutane) marie Raymond (le violon personnifié) avec Monique (la guitare) sur un pastiche de la chanson Mamy Blue !

Qualifié de déliro-surréaliste, ce spectacle est, en effet, totalement dézingué, et il est parfois difficile de suivre le fil conducteur. Amener les publics vers la musique (au sens large) par l’humour et la dérision est un objectif louable, mais je trouve dommage que l’on n’ait que trop peu l’occasion d’apprécier le talent de l’artiste (formé tout de même au CNSM de Paris) qui s’égare un peu dans ce délire…  Quant au violon, il a parlé certes, mais semble ne plus parler, et on attend  en vain des précisions sur ce phénomène. Enfin, est il indispensable que le spectacle s’achève avec l’incursion dans le public  d’un Kordian en maillot de bain (féminin) rouge, genre Alerte à Malibu, qui tente un massage cardiaque sur Raymond moribond ? Certains spectateurs, désorientés et sceptiques, ne garderont malheureusement que ce souvenir. Jusque là, j’avais personnellement trouvé la prestation déconcertante certes, mais plutôt intéressante, même si l’impression générale est celle d’une pantalonnade qui, j’en conviens, peut ne pas plaire, voire franchement déplaire. C’est tout ou rien !           

Pièce d'Alfred Jarry, adaptée par l'Atelier de la Pierre Blanche (Lambesc, 13), vue le 21 Juillet 2012  à l'espace Jean-Baptiste Niel (en plein air) dans le cadre du 47è festival des Nuits de l'Enclave (Valréas - 84).

Avec :  Frédéric Richaud, Roland Peyron, Raphaël France-Kullman, Nathalie Nowicki, Michèle Sebastia et Bryce Quétel

Direction artistique : Gilbert Barba

Scénographie: Gilbert Barba, Bryce Quétel, JF Piccardi

Musique : Jean-François Piccardi (création et interprétation) et Elysabeth Meunier (interprétation)

Costumes : Fabienne Varoutsikos

Masques et marionnettes : Judith Dubois

Genre : Théâtre et marionnettes

Tout public à partir de 10 ans

Durée : 1h20

Cette satire du pouvoir, écrite par Alfred Jarry en 1898, n'est pas du tout anodine pour un spectateur du XXIè siècle. Mère Ubu, manipulatrice, cruelle et cupide, assistée de l'ambitieux Capitaine Bordure, pousse Père Ubu à assassiner le roi Venceslas, la reine et leurs héritiers pour usurper le trône. Père Ubu, stupide, goinfre et méchant, pourrait alors, une fois roi, réaliser des rêves dérisoires. Affaire faite, Ubu règne en tyran sanguinaire, encouragé par Mère Ubu. Ce couple infernal sera finalement vaincu et fuira en poursuivant ailleurs les mêmes ambitions. Ce vrai drame shakespearien reste malgré tout dans le registre comique : les personnages sont grotesques, les dialogues absurdes et les situations satiriques. Jarry avait conçu la pièce pour des marionnettes, et Gilbert Bara a tenu à relever ce défi de manière magistrale.

Comment, sans le trahir, parler de ce spectacle éblouissant, à la fois complexe et épuré ?

On découvre au premier coup d'oeil une scénographie surprenante. Côté cour, de grandes « marmites » en fer blanc (les « steel drums » de la Cie Courants d'Airs). Rien d'autre. En fond de scène, un rideau noir occupé en son milieu par un rideau rouge à l'italienne. Plus haut, et sans doute en fond de coulisses, un autre rideau noir : on devinera qu'il masque un praticable surélevé qui servira à la fois de balcon solennel pour les acteurs et de castelet pour des marionnettes. Arrivent les musiciens avec costumes et têtes de marionnettes. Le ton est donné.

Le spectacle commence et nous surprend en associant comédiens-marionnettes et véritables marionnettes... en effet, chaque comédien a une tête de marionnette que Judith Dubois a façonnée à partir d'une cagoule en lycra sur laquelle elle a fixé des éléments en mousse sculptée. Par l'agencement des volumes chaque masque exprime l'essentiel d'un rôle avec l'étrange fixité des visages de marionnettes : goinfrerie et bêtise pour Père Ubu, dignité pour la reine Rosemonde… Les costumes de Fabienne Varoutsikos, traduisent eux aussi l'essentiel : Mère Ubu, silhouette sèche (jouée par un homme), apparaît d'emblée ambiguë en mégère manipulatrice avec son costume alliant le féminin et le masculin.

Les gestes sont expressifs, un peu rigides, géométriques parfois, et les voix résument chaque personnage (aigre, solennelle, grossière, compassée etc). A eux six, les comédiens de la troupe interprètent pas loin d'une vingtaine de rôles. Impossible de s'en rendre compte et, au début, on s'interroge : le programme ne mentionne pas tant de monde... seuls Frédéric Richaud (Père Ubu) et Roland Peyron (Mère Ubu) se limitent à un personnage. Au rythme où progresse l'intrigue, on imagine un vrai ballet-spectacle dans les coulisses !

Plusieurs épisodes mettent en scène de véritables marionnettes (à doigt, silhouettes ou têtes modelées) et produisent des effets surprenants. Ainsi, quand arrivent 4 acteurs  avec chacun une grosse tête de marionnette sur la main droite tendue, on veut bien voir 8 personnages… Quand les magistrats (petites marionnettes avançant en file indienne tout en haut, sur le plan du castelet) se font décapiter par un Ubu énorme, la scène est d'un tragique absolu.

Le rideau rouge aussi est un personnage. Il arrive qu'il prenne vie, agité de soubresauts ou semblant parler, et c'est d'un bel effet comique. Parfois ses deux pans s'écartent, nous laissant deviner un autre espace. Ainsi, pour la scène de guerre, il se découpe comme une fenêtre par laquelle nous voyons défiler Ubu à la tête de soldats martiaux, puis moins fringuants à chaque passage, et finalement battant en retraite complètement lessivés. La salle explose de rire.

La musique ponctue le texte et les jeux de scène, évoque émotions, éloquence, plainte, cruauté, protestations ou humour. Elle crée aussi de manière astucieuse des changements de scènes. Jarry avait prévu un grand nombre de scènes et de décors. Ici, Gilbert Barba nous fait passer de manière fluide d'une scène à l'autre en se servant de la musique, de l'éclairage, du rideau rouge, des différents niveaux de plateaux. Quelques éléments de décors mobiles matérialisent certaines scènes, et disparaissent aussi vite qu'ils sont apparus. Ce spectacle donne simultanément une impression de foisonnement intense et d'harmonie, on ressent une véritable cohésion de l'ensemble.

Les répétitions ont fonctionné comme un collectif de création au service du projet initial : tous ensemble (metteur en scène et interprètes) ont effectué des coupures dans le texte original afin de resserrer l'action. JF Piccardi a écrit la musique au fur et à mesure des répétitions. Judith Dubois confectionnait les masques et faisait les essayages pendant les répétitions, modifiant et remodelant selon l'effet recherché.

Nous avons été enthousiasmés devant l'aboutissement artistique d'une mise en scène si brillante, et par les diverses interprétations sans failles au service d'un texte resserré. J'ai découvert la puissance d'expression des marionnettes qui, nous privant du jeu nuancé des comédiens, nous emportent dans un monde en apparence schématisé, et  pourtant porteur d'émotions profondes et de réflexions sur la portée de comportements quotidiens. Un spectacle à voir, absolument.