Théâtre des Barriques, 8-19 Juillet 2013, Avignon off

Compagnie Dawa (91)

De et par Jade Collinet et Carole Rivière  

Sous le regard amical de Jacques Trin
Chorégraphie Agnès Mozziconacci
Costumes et accessoires Camille Pénager  

Genre : théâtre

Tout public 

Durée 1h15

Création 2012

Un duo composée de deux comédiennes qui mettent en scène les folles aventures de personnages simples.

Pas de héros, des gens pas compliqués comme nous, avec leurs charmants défauts et leurs belles qualités, parfois hauts en couleurs, aux prises avec les hasards, les joies et les émotions.

Dans cet "été sur scène", il y a, inhérent aux vacances, des déceptions, des coups d'éclats  et des surprises aussi. Ces deux jeunes actrices ont du "punch" et assurent sans fausse note un enchaînement réussi d'une  galerie de portraits bien ciselés.

Un regard amusé sur l'humain avec une bande son variée qui nous entraîne des années 50 à aujourdhui .  

Spectacle léger à voir en famille, d'accès facile.

Détente et rires assurés  

Spectacle de la compagnie Philippe Person (75), vu au Théâtre du Balcon lors du festival Off d'Avignon.

Avec Anne Priol, Emmanuel Barrouyer, Pascal Thoreau

Genre : Théâtre

Tout public

Durée 1 h 15

Le décor est divisé en deux zones bien distinctes. A gauche, un canapé bordeaux de style ancien et, derrière, un immense cadre rempli d’un patchwork d’images. A droite, un écran de tulle convexe éclairé par le bas d’une rampe lumineuse, et devant lequel sont positionnés trois sièges noirs de style, disons, contemporain.

La pièce commence alors qu’un individu interpelle Monsieur Wilde depuis la salle. Les trois comédiens assis sur  le canapé entreprennent alors de "raconter Oscar Wilde", né à Dublin en 1854, mort ruiné en France à seulement 46 ans après avoir connu la gloire, la prison, puis l’exil sous le nom de Sébastien Melmoh. Il fut un  poète, écrivain et essayiste célèbre. Bien que marié à Constance Lloyd, ses mœurs légères et son homosexualité affichée (en particulier avec Lord Alfred Douglas dit "Bosie") dans une Angleterre victorienne intolérante l’amenèrent à plusieurs reprises devant les tribunaux, pour être finalement condamné en 1895 à 2 ans de travaux forcés et à la confiscation de ses biens.

L'évocation de différents épisodes de la vie de Wilde alterne avec des scènes extraites de ses œuvres (Le portrait de Dorian Gray, Salomé, L’importance d’être constant), des aphorismes et autres citations. La mise en scène fait se succéder une douzaine de tableaux, les aphorismes étant débités par les comédiens assis devant l’écran, à droite, comme s’ils les lisaient dans les journaux qu’ils tiennent en mains ; tandis que les évocations de la  vie de l’artiste sont plutôt jouées côté gauche de la scène, et les textes extraits de ses œuvres plutôt au centre de la scène, voire derrière l’écran convexe.

Ne nous y trompons pas, la pièce de Philippe Person est bien une comédie qui met en superposition (patchwork) les différentes facettes du personnage (dandy d’apparence superficielle et aux mœurs libérées mais doté d’une intelligence brillante) tout en soulignant son insolence, son esprit, sa sensibilité et sa fragilité. La mise en scène s’appuie sur trois excellents comédiens  qui incarnent conjointement Oscar Wilde, comme pour marquer les trois grandes étapes de sa vie : Emmanuel Barrouyer et Pascal Thoreau cabotins en diable, et Anne Priol dotée d’un timbre très "tragédie grecque" et qui accompagne son jeu d’irrésistibles mimiques. L’accompagnement musical, très actuel, sert à merveille l’intemporalité du parcours d’Oscar Wilde (il m’a semblé reconnaître un certain Tom Jones), et dont un portrait de sa jeunesse nous est offert en projection à la fin de pièce.

Photo : Pacome POIRIER/WikiSpectacle

Le Mardi à Monoprix (mon coup de cœur absolu du off 2013)

vu le 15 juillet au Grenier à sel, dans le cadre du festival Off d'Avignon
Texte d’Emmanuel Darley

Compagnie Le Théâtre Dû (53)
Interprète : Patrick Sueur
Mise en scène : Paule Groleau
Diffusion : Edith Laboureix
Régie lumière : Gregory Auzuech
Régie générale : Nicolas Bernard
Régie son-vidéo : Jean-Philippe Borgogno

Genre :Théâtre.
Tout public s’interrogeant sur le trouble identitaire, la différence, le racisme ordinaire.
Durée : 1H10

    Je connaissais déjà le texte d’Emmanuel Darley, nominé deux fois aux Molières pour sa pièce, écrite à l’attention du comédien Montpelliérain Jean-Marc Bourg, puis jouée ensuite par Jean-Claude Dreyfus, et interprétée cette fois par Patrick Sueur, amoureux lui aussi de Darley : auteur dramatique vivant (à Narbonne), auteur contemporain de pièces humaines d’une écriture singulière inégalée. C’est donc bien la mise en scène du Théâtre Dû que je venais voir, et l’interprétation de Patrick Sueur dont je ne connaissais rien avant d’entrer dans cette très jolie salle du Grenier à Sel.

Le texte, dur et sensible, écrit dans une langue singulière créée par Emmanuel Darley, vient une nouvelle fois chatouiller la marge, le poids du regard, la sensibilité et la bêtise humaine, la différence, la langue et le cœur du personnage. Jean-Pierre, devenu Marie-Pierre aide son père tous les mardis à faire ses courses au Monoprix. Ses courses, son linge sale, sa vaisselle, son dîner. Marie-Pierre qui retourne chaque mardi dans son ancien quartier est confrontée malgré elle au regard de son père, qui l’abandonne régulièrement sur le chemin des courses. Loin. Derrière.

Dès les premières secondes je suis saisie de frissons par l‘écrin de la mise en scène. Paule Groleau et Patrick Sueur ont tout compris du texte sensible d’Emmanuel Darley. La moindre variation du comédien, le moindre pas, le moindre silence, la moindre lumière, le moindre son me transportent tour à tour dans un univers décalé m’invitant à mon propre voyage, m’invitant à construire moi-même mon personnage, les voisines, la caissière, celui du père que l’on ne voit pourtant jamais.

Pour tous ceux qui ne sont pas encore entrés dans le 21ème siècle, et pour tous les sensibles amoureux de la race humaine qui y sont entrés, à voir, à programmer, dès que possible, avec le même acteur, Patrick Sueur, grandiose, avec la même musique où Marie-Pierre se déchaîne, avec la même lumière tamisée.

A voir, et à programmer, absolument. A chaque fois, je reviendrai.

     

Compagnie du Bredin (54)

Vu à la Manufacture le 14 juillet 2013 dans le cadre du festival Off d'Avignon.

Texte : Philippe Malone (2012)
Mise en scène : Laurent Vacher
Scénographie et costumes : Laurent Vacher
Avec Christian Caro, Corrado Invernizzi, Martin Selze, Marie-Aude Weiss
Régie générale et création sonore : Michael Schaller
Création lumière et vidéo : Victor Egéa
Production : Compagnie du Bredin
Coproduction TIL-Théâtre Ici&Là.


Genre :comédie sociale.
Tout public : attention, certaines scènes peuvent vous donner envie de vous révolter contre la société capitaliste (Camaraâades !) et contre la télé.
Duree : 1h40

    Annoncé comme "une comédie sociale, [...] interrogeant les mutations urbaines des années 1960 à nos jours" et retraçant l'évolution de la structure familiale de l’habitat collectif au petit pavillon, j'attendais beaucoup de ce texte de Philippe Malone, auteur contemporain de quelques-uns des plus beaux textes politiques de ces dernières années.
C'est peut-être pour ça que ma déception fût grande en découvrant la mise en scène proposée par Laurent Vacher, néanmoins complice de longue date de l'auteur Philippe Malone.

Le texte recueille la parole d'habitants de banlieue, qui dans les années 70 ont emménagé dans ces cités radieuses, collectives et modernes (bon, souvent moches avec un peu de recul, certes) aujourd'hui blocs de béton usés, pour mieux se retrouver 30 ans plus tard (toujours devant la télé) à se satisfaire individuellement de leur progression sociale devant leur tondeuse, leur scie sauteuse du dimanche matin et leur (enfin !) petit coin de jardinet.

Dissocions le texte de Philippe Malone de la mise en scène de Laurent Vacher :
L'auteur Philippe Malone reste fidèle à ses idées et à son style, tendre et politique : l'histoire de l'habitat urbain épouse celle des désillusions politiques, des renoncements devant les contingences de la crise, des utopies qui s'effondrent. Le texte est indigné et sincère, engagé et mélancolique, doux et poing levé, nous montrant la vie d'un couple moyen arrivé à la fin de ses passions et de ses espoirs, que Malone regarde avec une tendresse de chaque instant. Les déboires avec le voisin du dessus, les lendemains qui chantent partagés dans les cellules du Parti, l'embourgeoisement qui fait passer de l'immeuble collectif au pavillon individuel, tout ça est regardé à hauteur d'homme, jamais plus ironique que drôle, jamais supérieur.

Pourquoi Laurent Vacher en a-t-il fait une farce grinçante qui semble en porte-à-faux avec la tendresse de l'auteur? Kitsch et superficielle comme un jeu télé ou une émission de télé réalité, mal rythmée et faussement intrépide, sa mise en scène -qui méritait un traitement autrement plus subtil-, est cheap, bancale, un peu cynique, un peu floue. J'apprends plus tard dans le dossier de presse que Vacher voulait témoigner de l'omniprésence du boitier à l'époque où l'auteur (et le metteur en scène ?) effectuai(en)t les interviews.

Les comédiens, dirigés vers la caricature, ressemblent à ces nigauds qu'on plante devant le bonhomme en mousse de P.Sébastien ou Secret Story version urbanisée: costumes ringards, petites manies pathétiques, ils sont «too much», frôlant le personnage à la Deschiens alors qu'on aurait aimé (peut-être même était-ce l'intention de l'auteur?) se retrouver ou retrouver là nos parents, vieillis à l'ombre des années-Mitterand. Laurent Vacher se moque, et il a tort. Pour quelques moments de vérité simple (amenés par le toujours attachant Christian Caro), il m'a fallu affronter des tas d'idées floues (les projections vidéos, sans nécessité, à part peut-être amener un"quart d'heure de célébrité mondiale"), des tas de scènes ratées. Je me suis ennuyée, (un peu), j'ai grimacé, (pas mal), devant le simplisme d'une réalisation qui passe à côté de la subtilité du texte, et j'ai fini par ne plus aimer ces pantins de progression sociale.
Dommage : un grand auteur, un metteur en scène (sûrement) intelligent ; mais la rencontre des deux, cette fois, n'a pas eu lieu.


     

Avec : Raghunath Manet et Valli

Genre : danse

Tout public

Raghunat Manet est un maître de Bharata Natyam (danse classique de l'Inde du Sud) reconnu dans le monde entier et défendant l’identité indienne à travers ses performances. Surnommé le « Noureev indien » il tend à faire découvrir sa culture et à la transmettre au-delà des clichés. C’est donc avec une impatiente excitation que je suis allé découvrir pour la première fois ce monstre sacré, dans cette belle salle avignonnaise dédiée à la danse.

Sur une voix off, le danseur arrive seul en sari, découvrant à l’aide d’une lanterne le mur de Shiva. Puis une jeune femme arrive (Manimégalai, la fille de Madhavi dans le célèbre roman de l’Anneau) et semble attendre ses instructions. Revenant dans un costume traditionnel jaune et orange, ils échangent en indien (plus précisément, en tamoul) et se mettent à danser, percutant le sol de leurs pieds aux chevilles cernées de grelots, dans une rythmique parfaite et envoûtante. Puis, prenant en main un instrument à deux résonnateurs (la Vinâ, l'un des plus anciens instruments indiens), Raghunat Manet nous joue un long morceau aux sonorités de guitare électrique, nous offrant une belle montée en puissance.

 Manimégalai est en fait là pour apprendre la musique et la danse chez le maître, afin d'être consacrée danseuse de temple (ou "Devadasi", d’où le nom du spectacle) et épouse du dieu Shiva. "Transmettre" est la ligne directrice du maître. Au final la belle Manimégalai refusera de devenir Devadasi, jouera dans des films de Bollywood mais, rattrapée par son destin, elle rejoindra son maître pour reprendre la danse sacrée.

J’ai puisé tout cela dans la présentation du spectacle car je n’arrivais pas toujours à suivre le sens, alors même que le maître tente, par de curieuses expressions du visage où par quelques mots en français, de nous tendre des passerelles pour accéder à son univers. "Ensemble", "s’unir", "donner", puis un bestiaire d’animaux et d’autres mots sont traduits dans notre langue pour nous permettre de trouver du sens, mais me faisant lâcher prise avec l’émotion. 

Même sans être spécialiste de danse, j’ai apprécié cette formidable énergie maitrisée, cette synchronisation parfaite des corps et cette répétition des mouvements si particulière et si codifiée de la danse indienne. De ce spectacle reste une découverte qui, si elle ne m’a pas touché personnellement, portera longtemps l’empreinte d’une rencontre, d’un don offert par un grand maître que le public a longuement applaudi à la fin du spectacle.