Cela faisait quelques années que je n’étais pas allé aux rendez-vous « Région(s) en scène », dispositif de repérage régional du Chaînon.

Pour rappel, le réseau Chaînon, c’est 11 fédérations régionales couvrant tout le territoire national, 305 adhérents de structures de programmation de spectacles, 11 festivals régionaux ainsi que l’édition du festival national « Le chaînon manquant» à Laval (53) pendant 6 jours en septembre de chaque année.

Le principe est simple : il s’agit de proposer dans les 11 fédérations régionales, un plateau d’une quinzaine de spectacles repérés par au moins 3 adhérents du réseau. L’occasion ainsi de les présenter pendant les « région(s) en scène », de les faire découvrir aux autres programmateurs locaux, et de les faire « monter » au festival national du chaînon manquant.

Selon le Chaînon, les 70 spectacles présentés au festival national permettent ensuite de créer une tournée de 800 représentations en moyenne, les plaçant comme le premier diffuseur en France. Bien sûr ces chiffres ne prennent pas encore en cause les deux dernières années de pandémie qui ont largement été préjudiciables aux tournées.

Autre raison de mon intérêt, c’est que jusqu’en 2019, l’ex région Languedoc-Roussillon était la seule à ne pas avoir de fédération régionale. Depuis, le regroupement des régions de 2015 a enfin permis que se structure la fédération Occitanie autour du Réseau Pyramid qui s’occupait déjà de la fédération Midi-Pyrénées-Aquitaine.

Aujourd’hui plus de 15 structures de l’ex Languedoc-Roussillon adhérent à la nouvelle fédération Occitanie. Un signe que les choses avancent ?

Pandémie et mesures sanitaires obligent et pris par un emploi du temps un peu chargé, je n’ai pu assister qu’à 5 spectacles en 2 jours, sans pourvoir prendre le temps commun prévu pour les repas avec les personnes présentes. Dommage, car c’est presque le plus important. Ils auraient pu ainsi éclairer ma lanterne sur la situation actuelle et leurs impressions. Ca sera pour une prochaine fois…

J’ai pu toutefois découvrir 5 spectacles différents, dont vous trouverez- si le temps me le permet-, un retour plus détaillé prochainement en ligne.

Il s'agit de :

L'Ile au tresor - cie 9 The:rmidor (31) : 3 étoiles-  un spectacle jeune public, mêlant théâtre, théâtre d'objets et musique sur le thème des pirates et de l'aventure, porté par un duo comédien/musicien très calé.

La Saga de Grimr - Cie Ensemble Drift (33) : deux étoiles- un BD concert assourdissant, dont le volume sonore bien trop haut, m'a crée des acouphènes mal venus. Dommage!

Quatre petits coins de rien du tout - cie Bachi-Bouzouk Production (46) : 2étoiles - un spectacle très jeune public, basé sur les images et la vidéo à la précision millimétrée. Technique Impressionnante de précision.

Bateau - cie les hommes sensibles (81) : 3 étoiles-  un spectacle jeune public pour adulte, plongeant avec délice dans les doux rêves et délires de l'enfant explorateur. Original et créatif

Les leçons impertinentes par Zou - Cie Le Thyase (31) : 3 Coeurs Une très belle découverte, avec Zou pédagogue de rue, qui nous parle de la place de la femme dans l'art! Du grand art!

Prochaines régions en scène juqu’en mars : www.lechainon.fr/regions-en-scenes/

Auvergne Rhône Alpes : 9, 10 et 11 février 2022 dans le Puy-de-Dôme et l’Allier : https://www.lechainon.fr/le-maillon-dederation-regionale-du-chainon/

Paca : 24 et 25 février 2022 dans le Var et les Bouches du Rhône : www.cercledemidi.fr/edition-2022

Eric Jalabert

Un spectacle produit par le Festival d’Automne et le Téâtre de la Bastille (75) et vu au Théâtre de la Bastille (Pantin) le 4 janvier 2022.

D’après Claude Lanzmann

Adaptation : Nicolas Bouchaud, Eric Didry, Véronique Timsit

Mise en scène : Eric Didry

Comédiens : Nicolas Bouchaud, Frédéric Noailles

Genre : théâtre

Public : tout public à partir de 14 ans

Durée : 1H35

Fort de son succès, « un vivant qui passe » a joué les prolongations. J’ai donc pu, après que mon compagnon le découvre seul, jouer la session de rattrapage. En amont, nous l’avions tellement décortiqué - jusqu’à revenir à la source primaire - que j’ai eu peur d’un ressenti biaisé. Mais l’amie qui m’a accompagnée  a confirmé ce sentiment mitigé.

« Un vivant qui passe » est une adaptation du documentaire de Claude Lanzmann sorti en 1997 à partir des rushes non utilisés de « Shoah ». « Un vivant qui passe », c’est l’expression inouïe du protagoniste, Maurice Rossel, délégué au CICR, missionné pour recueillir des informations sur Auschwitz et Theresienstadt - et qui n’a rien vu.

Le décor, plutôt dépouillé se compose de deux espaces. A cours, la reconstitution fidèle, sous forme de trompe-l’œil, de la pièce dans laquelle Maurice Rossel a été interviewé par Lanzmann. A jardin, un espace neutre, délimité par des panneaux grisés et qui contient, au sol des enceintes et quelques cartons Cauchard. Côté cours évolue Nicolas Bouchaud dans le rôle de Rossel ; le côté jardin étant plutôt réservé à Frédéric Noailles, alias Lanzmann.

Les comédiens endossent parfaitement leur rôle. Ils sont drôles et fort pertinents quand, en préambule, ils expliquent leur méthodologie, rappellent le contexte historique, précisent le lexique. Ils sont touchants dans les deux petits intermèdes sous forme de pantomime. Ces indéniables qualités, soulignées par un travail lumière qui rythme la joute, ne compensent pas les faiblesses théâtrales.

Il y a d’abord, à mon sens, une erreur de casting. Frédéric Noailles est trop jeune pour le rôle. Par ce choix, Nicolas Bouchaud a peut-être voulu montré que, contrairement à l’argument derrière lequel se planque Rossel, « la valeur n’attend pas le nombre des années ». Peut-être a-t-il voulu camper la jeune génération qui demande des comptes. Il n’empêche, ça ne passe pas et ça révèle un manque de choix dramaturgique. « Un homme qui passe » se réduit trop à une translation  du documentaire sur les planches. Les incessants bruits de fond, le ballon rouge qui apparaît ou la coucou qui sonne et interrompent l’interviewe sont de piètres stratagèmes pour faire théâtre. Le mystère Rossel, c’est « un vivant qui passe », qui est supposé voir et voir au-delà mais qui ne voit rien. La question de la révélation est donc cruciale et si le théâtre à quelque chose à dire en plus, c’est bien là.

« Un vivant qui passe » a le grand mérite de transmettre le travail de Claude Lanzmann. Mais c’est une transcription littérale et au final amoindrie de l’original.

Catherine Wolff

Un spectacle produit par la compagnie Le premier épisode (14) vu le 17 novembre 2021 au théâtre de l'idéal à Tourcoing, Théâtre du Nord (59)

Mise en scène : Yoann Thomerel, Sonia Chiambretto (à partir de leur "Questionnaire élémentaire" réalisé à Tourcoing)

Interprètes : Julien Masson, Jean-François Perrier, Séphora Pondi 

Scénographie, lumière, vidéo : Patrick Laffont de Lojo

Genre : théâtre

Public : adulte à partir de 12 ans

Durée : 1H10

Dans le public : le public. En dehors du public : la France. Sur scène : une tentative de saisir sa multiplicité.

Non pas une tentative, mille tentatives. Au moins soixante-cinq, le nombre de questions qui s'égrènent tout au long du spectacle, lent interrogatoire auquel on espère répondre convenablement. "Avez-vous des amis ?" "Avez-vous déjà voulu photographier un enfant Rom dans la rue parce que vous le trouviez trop mignon ?" Questions franches, fortes, cyniques, poétiques, dont on espère parfois qu'elles feront mal. "Quand vous croisez un asiatique dans la rue, pensez-vous que ses poches sont pleines de billets ?" L'homme à ma gauche hoche vivement la tête. Aïe. 1 - 0, penalty, on enchaîne sur un match de boxe façon mortal kombat, on s'en relève, le nouvel adversaire est plus coriace, il s'agit du représentant de l'administration de la mairie de Marseille qui tient entre ses mains votre éventuelle demande d'asile, bon, mais la photo est mal cadrée, mince. Revenez dans deux semaines.

Les questions fusent, des fils se tissent.  Des histoires - d'où partent-elles ? De quand parlent-elles ? - qui traversent le plateau, des élans, des injures. Des récits de vie qu'on écoute mieux quand on les écoute longtemps. Il y a un homme, par exemple, il ne faisait que profiter du coucher de soleil dans les montagnes, pas de quoi finir sur la voie publique, pas de quoi voir l'huissier débarquer chez lui pour "outrage à agent", pas de quoi fuir le pays. Et pourtant. Le système est injuste, mais je n'ai pas de souci à me faire, j'ai répondu juste à toutes les questions. En plus, je vais au théâtre voir un spectacle qui révèle derrière le drapeau français les trois étendards de l'Algérie, de l'OM et de la communauté LGBTQIA+. Tolérance et différences, il n'y a que sur un plateau de théâtre que cela peut exister : beau lieu pour une utopie.

A vrai dire, de diversité, le public n'en comportait pas tellement ; il aurait peut-être fallu lui proposer un miroir pour qu’il contemple son visage unique et homogène. Sur scène, et c’est heureux, un autre son de cloche est proposé : à côté des acteurs et de l'actrice - merveilleuse, d'ailleurs, et forte, touchante, capable en douze secondes de changer la douce remontrance d'une institutrice en violence policière - on trouve des écrans, et sur ces écrans, des visages, des gens, des vrais gens, dont un garçon qu'on ne peut voir qu'ici puisqu'il s'est enfermé dans les toilettes du train pour échapper aux contrôleurs. Et c'est incontestable : ces personnes qui ne sont pas là, elles ont leur mot à dire. Sans doute pour cela n'ont-elles pas besoin du théâtre, mais le théâtre a besoin d'eux. En espérant que grâce à cela nous serons tous devenus, ce soir, non pas meilleurs, mais simplement un petit peu moins entre nous, un peu plus avec eux.

Je rencontre à la fin de la représentation Séphora Pondi, une des trois interprètes du spectacle, pour recevoir son éclairage sur la pièce.

Mathieu Flamens : Que dire à un spectateur ou une spectatrice qui sortirait de salle en ayant l’impression qu’on lui a fait la morale ?

Séphora Pondi : Je dirais dans ce cas que je n’étais pas très bonne ce soir ! Ce sont des questions assez insolentes pour certaines. Même si elles sont assez piquantes et politiques, on essaye de les prendre en charge de manière ludique et avec une certaine innocence. On peut aussi partir du principe que si le spectateur s’est senti accusé, ça le regarde non ? Rires. Ce sont des questions, pas des affirmations. 

M.F. : Le spectacle fourmille d’esthétiques et de fils lancés, à tel point qu’on ne sait pas toujours si l’on est dans une narration ou non. Est-ce que vous incarnez toujours un personnage ?

S.P. : Non, ce que j’ai à faire, c’est de faire parvenir une écriture. Surtout dans cette pièce où l’on est très peu identifiable : on n’est jamais nommé, on ne fait que poser des questions, on s’empare de récits... J’aime bien ces ruptures, j’aime donner le sentiment qu’on esquisse quelque chose et que ça disparaît. J’espère quand même qu’il y a un fil rouge entre toutes ces choses qu’on tisse. Même si on n’incarne pas des personnages au sens strict du terme, ou académique. Cela me plaît, et j’espère que ça parvient quelque part, ne serait-ce que dans le goût d’entendre. 

M.F. : Quelque part, mais où ? A qui s’adresse ce spectacle ?

S.P. : Je le trouve tellement étrange que ce serait difficile à dire. Les gens qu’on a interviewés sont venus - à Théâtre Ouvert par exemple, ils étaient au plateau. Ce spectacle, ça fait des années qu’on travaille dessus. Yohann et Sonia ont commencé à bosser sur le questionnaire il y a sept ans, et je les ai rejoins en 2017. La question du public qui vient voir le spectacle, malheureusement, elle n’est pas entre nos mains. Toutes les questions concernant l’habitus, le cadre de vie, le goût, n’ont pas vocation à conforter le spectateur mais au contraire à lui faire prendre conscience qu’il partage un système de signes qui font qu’une population est homogène. Ce soir, je n’ai pas eu le sentiment que tout le monde était pleinement en accord dans la salle par rapport aux questions liées à la police, notamment.

M.F. : Est-ce que tu as espoir que cette pièce ait un effet, qu’elle serve à quelque chose ?

S.P. : Il se trouve que le théâtre, ce n’est pas mon milieu de départ. Je sais qu’avec Yohann et Sonia, il y a des endroits de reconnaissance. Dix ans en arrière, quand j’ai commencé à faire du théâtre, ça m'aurait beaucoup plu de savoir qu’il y avait une potentielle famille théâtrale, des gens avec qui on avait le même regard, la même envie de parler des mêmes choses. Ce que j’aimerais, ce serait que des gens qui étaient comme moi il y a dix ans la voient et se sentent intégrés, racontés. Cela me plairait beaucoup. 

Mathieu Flamens

Un spectacle produit par le NTGent , vu le mercredi 17 novembre 2021 à la Condition Publique de Roubaix dans le cadre de la saison nomade de la Rose des Vents (59). 

Mise en scène : Milo Rau

Interprètes : Arne De Tremerie, Anne Deylgat, Princess Isatu Hassan Bangura, Staf Smans

Création sonore et musique live : Clémence Clarysse

Création lumière : Denis Diels

Genre : théâtre

Public : tout public dès 14 ans

Durée : 1h35

Je trouve ça difficile de parler d'un tel spectacle. C'est le sujet lui-même qui étouffe un peu les mots dans la gorge. Il s'agit de la mort. Non pas la mort en elle-même, grande faucheuse de noire vêtue, mais la mort pour les autres : pour le défunt, pour celui ou celle qui va mourir, pour les proches, pour ceux qui ne savent pas bien ce que c'est (moi).

Puisque la mort ne me parle pas, je préfère ne pas parler de la mort et me concentrer sur le spectacle. Milo Rau, j'avais déjà vu son travail pour la Reprise ("reprise" avec casting, procès et mise en scène du meurtre à caractère homophobe du jeune Ihsane Jarfi). Point de jeunesse triomphale fauchée en plein vol : ici, nous faisons face à un petit appartement adapté pour un malade veillé par ses proches. Lumières douces, calmes, qui viennent en partie du plateau et nous éclairent un peu. Pas de vacarme, pas de religiosité trop austère non plus, on s'autorise quelques rires, on prend le temps de se souvenir et de parler d'autres choses que de la mort, tout de même. Du Petit Prince notamment, que le petit fils avait joué étant petit, il était drôle, on joue à se fabriquer des souvenirs de cette fois-là ou de cette autre. Il y avait cette scène, entre le Petit Prince et le serpent, qui le mord pour le renvoyer dans un autre monde. Touchantes dans leur maladresse, les métaphores nous ramènent au sujet : ce lit d'hôpital, cet homme, son corps, son âge et les souvenirs qu'il charrie, et qu'il oublie sans doute tant qu'on ne les raconte pas. On sait qu'il faudra se taire, ce sont les lumières qui nous l'apprennent. Elles vacillent.

On continue d'attendre, de regarder passer le temps. C'est un peu long, c'est normal, la mort réaliste n'obéit pas au rythme habituel des histoires. Cela va arriver, on ne sait pas vraiment quand, alors on se relaie pour l'attention - d'autant que ce n'est pas toujours simple de passer sans cesse du français à l'anglais et au flamand, de la bouche des comédien.nes aux écrans de surtitrage. On suit, on tient, on s'adapte, et par cela-même on est ensemble avec cet homme. Avec cet homme, et avec une femme aussi, qui n'est pas là. Martha a choisi sa mort, et le regard qui l'accompagnerait : son euthanasie a été filmée par Milo Rau. Son visage s'étend en hauteur au dessus d'une scénographie plutôt horizontale. Appartement taille réelle, visage immense. Présence du théâtre, contrairement au cinéma qui montre des enregistrements passés, déjà fantomatiques. Mais au moment-même où Martha s'éteint, la mort s'impose sur l'écran dans toute sa présence, dans toute sa réalité. C'est drôle, il suffit d'un rien, d'un mort, et le cinéma devient du théâtre.

Il n'y a plus "les personnages" et "leurs histoires" et "leurs proches". Il y a le spectacle de la mort, et les vivants qu'elle rassemble. Silence et lumière. Grief and beauty.

Mathieu Flamens