Le Dernier Ogre

Site 11 Gilgamesh Belleville

Spectacle « Le Dernier Ogre » de la compagnie le Cri de l’armoire (92 Fontenay-aux –Roses), vu le 04 juillet à 14h45 au théâtre  11. Gilgamesh. Belleville à Avignon.

Texte et Mise en scène : Marien Tillet                                                        Comédiens : Marien Tillet, Samuel Poncet, Mathias Castagné, Simon Denis
Public : Tout public, à partir de 13 ans
Genre(s) : Théâtre, Live-painting, Slam 

Durée : 1h                                                                                                                           

       J'ai eu l'occasion d'assister à la générale du « Dernier Ogre ». C'est une création qui m'a enchantée. La Compagnie s'attaque à un tabou : le cannibalisme, le prix de la faim. Tour à tour et par ellipse, un homme et un ogre nous dévoilent leur rapport à la nourriture et à leur famille. Face A, se trouve l'Ogre, au slam entraînant. Il se cache dans la semi-pénombre d'une douche de lumière froide. Face B, l'Homme, éclairé pleinement, nous parle avec sincérité de ce qu'il considère éthique de cuisiner et de manger. A cela s'ajoutent, en filigrane, leurs histoires de famille respective.

           Cette pièce est la première que j'ai l'occasion de voir, au Festival OFF d'Avignon. Je n'ai pas d'attente particulière. Nous nous asseyons dans l'obscurité totale, cela rend la pièce très immersive. Un homme rentre en scène et prend sa guitare, il se met à jouer avec délectation. Je l'écoute avec tant d'attention que je me fais surprendre par la voix de l'Ogre. Il était là lui aussi, dans le noir. Ce dernier slame avec talent  l'histoire de ses 7 filles et de sa faim de chair fraîche. Dans son dos, comme en écho, se dessine alors un paysage, sur une toile tendue : une petite maison dans un champ. Ce paysage se transformera au gré de l'histoire.

           La pièce se joue dans une salle noire et étanche à la lumière, au fond de laquelle est tendue une toile très claire. Un comédien peint le derrière de celle-ci, on ne le voit pas, mais ses tracés apparaissent de notre côté. Côté cour, se trouve le guitariste, qui occupe du début à la fin un petit espace, en fond de scène. Il est équipé de huit platines et produit au fur et à mesure une bande-son et des morceaux. Au centre de la scène et côté jardin se trouvent, en alternance, l'ogre et l'homme, incarnés par un même comédien. Il y a 3 comédiens, dont 2 visibles.

           C'est comme un conte, assorti à la résonance moderne du slam. Une harmonie se crée entre les trois dispositifs : la guitare donne un tempo au slameur et s'apaise (ou disparaît) lorsque c'est l'homme qui parle. Le spectacle est ainsi fait que chaque acteur a l'occasion de s'estomper, pour que le public puisse se concentrer sur l'art de l'autre. C'est ainsi, que chaque art est mis en valeur. De plus, le dispositif du live-painting  (qui m'était peu familier) permet une construction progressive et parfaitement adaptée  de l'illustration. Cette dernière s'apparente à une animation. En effet, il ne s'agit pas de parvenir à un résultat fixe. Il s'agît d'une performance vivante et éphémère.

           L'âge minimum conseillé pour voir le spectacle est de 13 ans : Il est à mon avis pertinent, dans la mesure, où celui-ci aborde le cannibalisme et évoque la mort, la chair humaine, le sang, les crochets de boucher... En revanche, un.e pré-ado averti.e (et à l'aise dans le noir) peut s'y essayer : Le sujet de l'anthropophagie reste traité artistiquement et aucun visuel n'est choquant : seule la peinture illustre les dires des deux personnages et ce, de manière tacite.

Je sors de la salle, avec l'envie de me replonger dans les contes et avec des questions sur ce que notre culture nous permet (ou non) de manger : En quoi l'homme est-il différent des bêtes, quand il s'agît de se nourrir ? Est-il acceptable de goûter au placenta ? Jusqu'où la faim peut-elle nous permettre d'aller ?

Anouk F.