Un spectacle produit par le Théâtre des Bouffes du Nord et la Compagnie Point Fixe (75) et vu au Théâtre des Bouffes du Nord le 14 septembre 2021.

Texte : librement inspiré de George Langelaan

Mise en scène : Valérie Lesort et Christian Hecq

Comédiens : Christian Hecq (sociétaire de la Comédie-Française), Valérie Lesort, Christine Murillo, Jan Hammenecker

Scénographie : Audrey Vuong

Plasticiennes : Carole Allemand et Valérie Lesort

Genre : théâtre

Public : adulte

Durée : 1H30

Il semblerait enfin que ce soit pour de bon ; la reprise des spectacles. Et pour compenser sans doute ces  deux années de presque abstinence, la saison démarre beaucoup plus tôt qu’à l’accoutumé. Et c’est tant mieux. En guise d’inauguration, j’ai choisi d’aller voir « la Mouche » ; moins attirée par l’histoire imaginée par George Langelaan  que j’ignorais (il en existe pourtant deux versions cinématographiques dont l’une de Cronenberg) que par la présence de Christine Murillo, à priori gage de qualité. Je suis sortie mitigée

-« La mouche » met en scène, dans les années 60, une maman en âge d’être grand-mère et qui vit  avec son grand dadet de fils, Robert, qu’elle aimerait enfin caser. Le problème, c’est que Robert, la cinquantaine, n’a guère d’autre passion dans la vie que de mettre au point une machine à téléporter,  Par son mode de vie, ce duo atypique et le ton comique évoquent souvent  les Deschiens dont le chien qui évolue sur scène est une allusion directe. Mais suite aux aléas de la machine à téléporter, cet univers de petites gens bascule soudainement dans le fantastique, sorte anti-version de la « Métamorphose » de Kafka.

Le décor rend admirablement compte du déterminisme social : en avant scène, une pelouse dégarnie et un parterre qui ne l’est pas moins malgré son inévitable nain de jardin. En fond de scène, un rideau de fer qui, une fois levé, laisse apparaître le laboratoire de Robert avec force consoles et habitacles. Le garage prend appui sur un mur aveugle traversé par des gouttières. A cour, une caravane, des attrape-mouches en tout genre, un clapier, une télé. L’ensemble est bien exploité et participe largement à la tonalité décalée des protagonistes.

Quelques scènes soulignent avec bonheur ce drôle de monde : la saignée du lapin, les aventures du chien Charlie qui par la grâce de la machine de Robert devient Laïka avant de finir en charpie, la métamorphose de Robert en mouche et sa déambulation sur le mur aveugle.

Mention spéciale donc aux plasticiennes et à la scénographe. Mais le jeu est inégal, desservi par un texte un peu bancal. Il est dommage, à mon sens, qu’il faille attendre les dernières minutes pour en venir à la métamorphose de Robert. Ce déséquilibre dans la construction provoque un manque cruel de rythme et des longueurs au risque de l’ennui.

« La mouche » est un spectacle populaire et divertissant, riche en belles trouvailles visuelles.  Mais la focalisation sur le phénomène social plus que sur le phénomène fantastique m’a parfois laissée planer ans le vide.

Catherine Wolff

Spectacle de la Compagnie Plan Libre (09), vu à La Cour du Spectateur à Avignon le 21 juillet 2021 à 15 h 30. Dans le cadre du Festival OFF d'Avignon du 7 au 31 juillet.

Interprètes : Mélodie Fichan, Adrian Parker

Genre : Marionnette - objet 

Public : à partir de 8 ans

Durée : 1 h

La cour du spectateur, ce n’est pas un théâtre, c’est un lieu d’arts vivants qui réunit plusieurs lieux de spectacles, dedans et dehors, tout autour d’une cour ombragée, au calme. On peut y manger, boire un verre, participer à un atelier, se reposer, se retrouver.

12 h 12 se passe en extérieur. Assis sur des gradins en bois, nous subissons un test d’espièglerie avant de commencer l’émission télé sur « Le dessous des tabous ». Sujet du jour : la sexualité.

Dans le public, toutes les générations sont représentées. La comédienne-présentatrice, seule en scène, est pétillante, infiniment positive. Elle nous informe, nous questionne, nous fait dessiner sur de petites ardoises, nous met un petit peu mal à l’aise, petits et grands. Juste un petit peu, assez pour que nous nous prenions au jeu, puis participions pleinement à l’émission.

La mise en scène est ingénieuse avec un décor mobile et multifonctionnel qui permet de manipuler objets et marionnettes. Les supports sont divers, on passe d’objets scotchés à des panneaux d’exposition, pour finir avec un assemblage d’ingrédients dont certains sont explosifs...

Je parlerais plus de théâtre d’objet que de théâtre de marionnettes, bien qu’il y en ait quelques-unes. La comédienne est accompagnée d’un musicien qui joue en direct et l’assiste par moment.

C’est frais et tendre, drôle et émouvant, ludique, pragmatique, positif et... sans tabou !

C’est à programmer dans toutes les écoles de France et à consommer sans modération pendant le Festival d’Avignon.

Maren Scapol

Un spectacle produit par Karavane Productions (75) revu le 3 juillet 2021  au Théâtre du Rond-Point.

Création: Victoria Chaplin, Jean-Baptiste Thierrée

Comédiens : Victoria Chaplin, Jean-Baptiste Thierrée

Genre : cirque, danse, magie

Public : tout public

Durée : officiellement 1H15

Le pire, c’est que je ne l’ai jamais chroniqué ! Pourtant, en 12 ans, c’est bien la cinquième ou la sixième fois que je le vois. Mais quel est donc ce spectacle qui peut se prévaloir d’une telle pérennité et d’un tel pouvoir d’attraction : L’inénarrable  « cirque invisible »de Jean-Baptiste Thierrée et de Victoria Chaplin ?

Depuis la dernière fois que je l’ai vu (5 ou 6 ans), le spectacle a beaucoup évolué même si la structure reste inchangée. Sur une vague piste de cirque, les numéros de clown  de monsieur alternent avec les tableaux de transformisme de Madame. Monsieur multiplie les facéties et brille dans l’art de l’absurde pour nous suggérer un cirque qui n’est pas. Madame époustoufle par la poésie de son imaginaire qui fait naître des animaux féériques. Monsieur prend à témoin le public. Madame danse avec grâce et se pare en silence.

Avec le temps, certains numéros ont disparu (Madame en fildefériste ; Monsieur et sa ribambelle de poissons) tandis que de nouveaux s’insèrent naturellement tel l’émeu rouge qui picore les reliefs des bêtises de monsieur.

Le « cirque invisible », nouvelle mouture, est toujours aussi beau et toujours aussi drôle. Le public ovationne. A chaque salve d’applaudissements répondent des bis qui prolongent encore un peu la magie. Assurément, le « cirque invisible » est une anthologie du cirque.

Catherine Wolff

Un spectacle de la «Cie Tourneboulé» (59) vu au Théâtre Paris-Villette le 1 décembre 2020.

Mise en scène et écriture : Marie Levavasseur

Comédiens : Amélie Roman et Tim Fromont Placenti

Musique : Tim Fromont Placenti

Marionnette et objets : Julien Aillet

Genre : théâtre d’objets, marionnettes et clown

Public : Jeune public (à partir de 8 ans)

Durée : 1H

Depuis que mes filles sont grandes, je ne vois plus qu’exceptionnellement du théâtre jeune public. Mais par les temps qui courent, tout est bon à prendre ; en l’occurrence, « les enfants, c’est moi ». Plaisir inouï de retourner au théâtre mais le spectacle ne m’a pas convaincu.

Le théâtre Paris-Villette, établissement public de la Ville de Paris, se spécialise de plus en plus dans le jeune public, à entendre au sens large. Il vient de faire peau neuve et cette restauration n’était pas pour rien dans cette générale, exceptionnelle à plus d’un titres : l’émotion d’être tout simplement là et faire partie de la vingtaine de privilégiés (sur une jauge de 200 places) nous ont rappelé, s’il en était besoin, l’importance vitale du spectacle vivant.

« Les enfants, c’est moi » raconte l’histoire d’une femme-enfant qui devient mère et qui découvre les joies et les affres de la maternité. Le personnage principal, des plus fantasques, est un clown à la voix qui oscille entre voix d’enfant et voix de sorcière.  Il évolue dans un univers de marionnettes et de théâtre d’objets très baroque. A cours, le pupitre musical (clavier, guitare, petites percussions, chant) de Tim Froment-Placenti. A jardin, de beaux arbres modulables en fer forgé. En avant scène, tout un peuple de poupées  et d’objets miniatures qui vont servir au jeu et à la définition de différents espaces scéniques. En fond de scène, trois allemandes et  un autel champêtre et suspendu, dédié à la Vierge, mère de toutes les mères. Des cintres tomberont aussi maints accessoires car notre jeune maman n’est pas encore sortie de la pensée magique.

La manipulation des objets et des marionnettes à tige, les changements de voix, les gobos, le jeu en général sont agréables à regarder. Il y a de très jolies images comme ce landau qui, tel un automate, se déplace seul, s’illumine de l’intérieur et fait entendre une comptine revisitée. Les clins d’œil au répertoire du conte sont légion. Et malheureusement, c’est là que le bât blesse.

A qui ce conte contemporain est-il destiné? Je ne suis pas sûre que les problématiques de la maternité palpitent  les plus jeunes ? Leur montrer que les parents ont des limites, qu’ils sont parfois débordés au point de ne rêver qu’à un pot entre potes me semble tout à fait salutaire. Mais de là à faire de cette mère immature et « qui se sent nulle » une mère qui abandonne me semble infliger une insécurité psychologique inutile aux enfants. Bien sûr, Du « Petit Poucet » à « Hansel à Gretel », ce ne sont pas les histoires d’abandon qui manquent dans les contes. Sauf que le contexte historique était différent. Sauf que n’est pas qui veut les frères Grimm ou Andersen ! Que les enfants aient des ressources à toute épreuve, certes, mais contrairement à ce qui est chanté, ils ne sortent jamais indemnes des « familles en vrac ». Alors, ce conte s’adresserait-il aux adultes? En ce cas, on serait en droit de demander autre chose qu’une voix  pseudo enfantine et une autre musique que des chansons à la Henri Dès.

« Les enfants, c’est moi » est un spectacle agréable visuellement. Mais son propos est d’autant plus ambigu que le synopsis n’annonce benoîtement qu’un « conte initiatique aussi drôle que grinçant pour réfléchir ensemble à la relation qui nous lie, parents et enfants ».

Catherine Wolff

Spectacle de la compagnie Miettes de spectacles (75) vu le 20 septembre au théâtre Mouffetard (75)

Texte : d’après l’Ambigu de Roland Topor

Mise en scène : Elzbieta Jeznach

Interprète : Sarah Olivier

Genre : marionnettes

Public : Adultes

Durée : 1h

Dans le cadre du festival Scènes ouvertes à l'insolite, le Théâtre Mouffetard et le Théâtre aux Mains Nues proposaient plusieurs parcours permettant de découvrir des "artistes émergents et des créateurs audacieux", représentant de la nouvelle génération de marionnettistes. Le parcours que je suis allée voir au Théâtre Mouffetard se composait d'une adaptation pour marionnettes de « l'Ambigu »de Roland Topor et d'une création de théâtre d'objets, «  killed the Monster », très librement inspiré par le chanteur compositeur Daniel Johnston. 

Dans cette pièce de Roland Topor, un Don Juan vieillissant découvre en lui-même une moitié féminine dont il va s'éprendre. La pièce chemine depuis la découverte de cette moitié féminine : l'apprentissage et le jeu avec ce nouveau corps hybride féminin / masculin, la séduction, l'envahissement, le malentendu, la trahison, la séparation. 

La manipulation de la marionnette signe une belle maîtrise. La comédienne, Sarah Olivier, partie droite du corps féminin, partie gauche masculine, manipule une marionnette de Don Juan à taille presque humaine, au visage presque triste. Elle a le visage recouvert d'un voile noir, et se joue du dédoublement permis entre la marionnette et la moitié féminine de Don Juan qu'elle peut incarner ou cacher en se décalant. Des morceaux de corps apparaissent et disparaissent, en métonymie des personnages.

L'effet produit par ces jeux d'apparition et de cache-cache est très réussi visuellement. Des moments de poésie et d'humour émergent. Quelques éléments grivois ne viennent cependant que peu chambouler ce spectacle qui m'a semblé un peu sage. 

Hélène Lambert